Les cabinets de curiosité (art.3)

 Ainsi qu'il est prévu, dans cet article seront examinés deplus près certains cabinets de curiosité qui au cours des siècles ont été particulièrement spectaculaires.

                                         En préambule, il est intéressant d'évoquer le frontispice du grand oeuvre scientifique de Francis Bacon "l'Instauratio Magna" de 1620.
Cette illustration gravée est très symbolique de tout un esprit qui est à l'origine des cabinets de curiosité.
"C'est l'image fameuse d'un navire lancé toutes voiles dehors sur un océan qu'aucun horizon ne limite.Seules deux colonnes d'Hercule marquent les limites du monde connu et dessinent le seuil de l'inouï ouvrant sur des lieux absents des cartes. (qui appellent la curiosité)  C'est un espace infini qui reste à découvrir et s'offre à l'esprit humain."
   Dans cette perspective il est passionnant de visiter de près plusieurs cabinets de curiosité et d'évoquer des grandes figures de collectionneur.
 

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                                -Le cabinet de Manfredo Settala 1666 à Milan. Settala était un constructeur d'instruments scientifiques et mécaniques: microscopes, télescopes, compas, horlogeries. (Milan était un centre de production d'objets minutieux)

Ce personnage collectionne toutes sortes d'objets et aussi des créations personnelles et des automates. Il a créé un catalogue en 7 volumes selon les thèmes de ses collections.
De plus, il fait exécuter près de 300 dessins de ses objets par divers artistes. Ces dessins sont assemblés en volumes selon les thèmes.

L'espace de son cabinet est aussi saturé mais il est plus ouvert que dans d'autres collections.
Il occupait 4 pièces: Les objets collectés étaient des squelettes, des automates, des échantillons végétaux et minéraux des peintures et objets archéologiques, des armes.
L'ensemble était disposé selon une scénographie qui faisait une mise en scène baroque de l'architecture..

A sa mort, ses funérailles furent accompagnées d'un cortège extraordinaire de ses pièces les plus remarquables et étranges. Happening surréaliste digne d'un grand artiste pour qui la mort est l'image vécue de la vanité.

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                                - Le Cabinet de Ferdinand 2 au château d'Ambras au Tyrol, 1550- 1575.
Le château d'Ambras est situé près d'Innsbruch en Autriche. Les collections  sont constituées de Merveilles de la Nature, d'oeuvres d'art et de monstres humains. Elles étaient abritées dans la Kunstkammer du château. On pouvait y voir des requins, des défense de cerf, des écorces.
Des portraits de géants ou de nain, par exemple d'un nain sur un corps d'avorton.

Enfin près d'Ambras il y avait une famille dont tous les membres étaient couverts de poils: des hommes poilus ou hommes chat.
Ce cabinet présente aussi des spécimens de coraux sur des supports de plâtre, des oeufs d'autruche.
(Le corail est utilisé pour figurer rochers, arbres, saintes femmes, Christ et larron.)

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                                - A Bologne, un cabinet est très important, celui de Ulysse Aldrovandi, le plus connu de l'histoire de la curiosité.
Aldrovandi était philosophe et recherchait un échantillonnage le plus complet possible. Il rassemblait, observait et comparait.
Ses 2 principales armoires comportaient 4550 tiroirs.

Le cabinet d'Ulysse Aldovrandi est une attraction de Bologne.
Ce personnage est  un bricoleur obsessionnel: il écrit des notes sur des bouts de papier placés dans des sacs classés par ordre alphabétique puis collés sur des feuillets.
Ainsi il laisse 375 volumes de papier de ces notes.
Les corps qu'il ne pouvait posséder en réel, il en rassemble les représentations: ainsi il a constitué une collection immense de tableaux commandés à des artistes:
- 8000 panneaux peints a tempéra représentant des objets exotiques.
-7000 animaux fruits et minéraux.
-7000 plantes séchées.


Ce cabinet se prolonge dans le livre. Aldrovandi compile une encyclopédie interminable: 83 volumes manuscrits  pour lesquels sont exécutés des bois gravés.
Un exemple: "Monstrorum Historia" rassemble tous les exemples connus de monstruosités animales et humaines.
Parfois il verse dans le fabuleux: 2 célèbres cas d'hirsutisme  voisinent avec des représentations fantasmatiques de races décrites par Pline.

Cette collection phénoménale, Aldrovandi va la léguer à la ville de Bologne en 1603.

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                               - Un cabinet prestigieux est celui de Rodolphe 2 de Habsbourg à Prague.
C'est sans doute un cabinet de curiosité mais en plus il est l'expression d'un tempérament qui rythme et structure les collections.

                               En effet Rodolphe 2 a connu un certain nombre de problèmes qui détermine un comportement particulier.
En 1574, à 27 ans,  il aune 1ère attaque et puis une autre 4 ans après ; il va donc fuir Vienne pour Prague.  Jusqu'en 1600, il assume son rôle de prince avec un cérémonial de fêtes, carnavals, mises en scène par des artistes comme Arcimboldo.
Il fait une grave crise dépressive vers 1600 et cela va accuser son retrait du monde et son appétit pour les oeuvres d'art les plus variées.
Son frère va essayer de le destituer mais il résiste grâce à ses collections malgré une grave crise de mélancolie, 5 ans après.

                               Le retrait du monde, le refuge dans l'art, le désir insatiable d'acquisitions nouvelles, la recherche du rare et du bizarre: cela fait de Rodolphe 2 l'archétype du collectionneur de cabinet de curiosité.
Cet appétit insatiable le conduit à penser le monde en séries, en ensemble qu'il s'agit de compléter, naturel ou artistiques (il collectionne aussi les Amours des dieux  de Corrège)
Derrière cette grande variété, il y a une unité fondamentale avec des analogies. Et la mélancolie justifie le projet de ses collections. En fuyant le réel il embrasse la diversité de la création.
Les objets acquis par Rodolphe ont une sorte de magie qui rassure et protège contre l'angoisse de la perte et de l'abandon.
Il collectionne tous objets et demande à des agents de lui acheter n'importe quoi pourvu que sa curiosité soit piquée: ils lui apportent des objets de toute l'Europe.
De plus autour de lui il rassemble des techniciens, des artistes, savants qui vont réaliser des pièces extraordinaires.
Dans le château de Prague, il accumule 800 pièces pour sa collection de tableaux.

Cette Kunstkammer abrite des naturalia, des scientifica ( globes, instruments d'astronomie,horloges), des artificialia ( meubles, monnaies, oeuvres antiques,armes, textiles) et une bibliothèque.
Cette collection d'art et de curiosités impressionne toute l'Europe. Elle est sans commune mesure avec les collections d'italie mais elle leur ressemble par le fait leur but est de rassembler mais aussi de manipuler et d'inventer.
C'est une double quête physique et métaphysique qui motive son activité de collectionneur.

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Quelle sera l'évolution de ces cabinets de curiosité?

Nombreuses au 17 éme siècle, les collections se comptent par centaines au 18 ème.
Les amateurs particuliers  et les savants on pris le relai des princes. Ensuite les divers cabinets sont intégrés dans les collections des princes.
Paradoxalement, la fin des collections de curiosités est contemporaine des projets de l'Encyclopédie dans l'Europe des lumières. Un esprit scientifique plus critique et plus construit est en train de s'élaborer.


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     Les cabinets de Curiosités.(art.2)

            L'idée de cabinet de curiosité a déjà été abordée dans un article précédent relatif aux collections.
Et relativement aussi à mon travail fait de collections de tableaux , de grandes toiles peintes de 5 mètres, comme  de multiples dessins ou d'objets étranges récoltés dans la nature.

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          Jusqu'au 3 sept 2007, à Vienne une exposition majeure au muséum d'histoire naturelle présente les collections des cabinets de curiosité de Rodolphe 2 de Habsbourg.
(En ce moment la Biennale de Venise (Quand le temps devient art au Palazzo Fortuny) accorde une attention à cette question.)
C'est donc aussi au titre de l'actualité que j'écris cet article sur les curiosités.

                                               "Vanité des vanités tout n'est que Vanité": Dans les cabinets de curiosité, le temps est partout à l'oeuvre.


                            L'approche des Vanités conduit  à considérer tout ce qui touche aux objets et à leur collection.
Plusieurs articles importants seront consacrés à ce thème. Pour l'instant, je ne ferai que la définir historiquement et géographiquement, avec divers aspects de ses composants.
 
   Comme nous l'avons noté dans le 1 er article sur les curiosités, on peut observer dans certaines demeures, des lieux étranges, en Europe, du Nord au Sud, à la fin de la Renaissance.

                            Ces endroits sont cachés ou visibles dans les résidences royales ou chez les apothicaires.
Les cabinets de curiosité sont un capharnaüm sur les murs et les plafonds avec des meubles de rangement, des rayons, des cassettes. On y trouve des objets d'ivoire, des crânes de singe ou d'oiseaux, des cornes de licorne. La Nature se mêle à l'art.

                            A notre époque, depuis 20 ans, on voit resurgir les cabinets de curiosités.Et ils ont parfois une grande influence sur la création artistique.
    
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     Chronologiquement, il est intéressant de dresser une sorte d'inventaire des cabinets de curiosités au cours des siècles.
(Dans d'autres articles il sera question de certains exemples de cabinets décrits dans le détail.)

                              - Avant les cabinets de curiosité, les trésors des églises (ex : le trésor de St Denis) comme les collections privées (comme celle de Jean du Berry) sont les préfigurations des cabinets.
Les trésors rassemblent des reliques, fragments à valeur magique..

                              -On pourrait citer parmi les antécedents, également les trésors des temples grecs.

                             - Un tableau de Jean de Breughel sur les 5 sens représente la vue: il est l'équivalent d'un cabinet et il présente des coquillages, des instruments scientifiques, globe, sphère armillaire, télescope ou antiquités et bustes romain. En somme il regroupe des Naturalia et des Artificialia.

                             -1 er exemple d'importance: le musée de Ferrante Imperato apothicaire à Napoli (1599) Il a aussi un catalogue énumérant son contenu: livres, bocaux, coquillages , créatures au plafond.

                            -Le studiolo de François 1 er.
C'est une pièce hermétique du Palazzo vecchio avec des peintures, des cadres, des niches et écrins.

                           - Le cabinet de Francesco Calzolari. (1622) où mammifères oiseaux et poissons sont suspendus au plafond. Les étagères sont encombrées d'objets naturels et de d'oeuvres artistiques soignées.

                          -Le cabinet du Danois Ole Worm: il est réservé aux naturalia mais il accorde aussi une grande place à des sujets de curiosité tels que le latin, la physique, la médecine, les runes et antiquités danoises.

                          -Le Kunst und naturalien Kammer de Halle en Allemagne, est le cabinet le mieux conservé qui nous reste. Il avait un rôle éducatif et il se développa à partir d'objets d'anciens élèves devenus missionnaires: objets orientaux, coquillages, minéraux, fossiles, coraux.

                            -Le cabinet de Manfredo Settala, à Milan 1666. L'un des plus riches avec un catalogue. (il fera l'objet d'un chapitre particulier)

                             -La collection impériale de Vienne: il est composé de tableaux dans la partie supérieure et au dessous dans les vitines,ce sont des ivoires, oiseaux de paradis etc.

                            -Le cabinet de Ferdinand 2 au château d'Ambras au Tyrol (1550-1575) connu pour ses hommes poilus. Nous en reparlerons ultérieurement.

                             -En Angleterre il faut noter les Naturalia de John Tradescant. Il collectionne des espèces botaniques et il va créer un jardin médicinal.
 Cette collection sera léguée à Elias Ashmole qui va l'enrichir avec des coquillages, des oiseaux, des oeuvres d'art, des Bouddhas ou des costumes amérindiens.

                             -En Italie encore Cospi Ferdinando assemble des pièces rares pour servir l'histoire. Homme d'affaire des Médicis, il collectionne les antiquités romaines, étrusques, égyptiennes.

                             -A Bologne , c'est Ulysse Aldovrandi, personnage hors norme de la curiosité car il cherchait un échantillonnage le plus complet possible. Nous en parlerons plus en détail.

                             -Enfin une illustration magnifique de l'esprit du collectionneur, c'est la figure de Rodolphe 2 de Habsbourg dont il sera question dans un autre article.
Il fit construire à Prague un bâtiment spécial pour abriter ses collections vers 1580 et il collectionnait les productions des artisans et artistes et aussi les merveilles naturelles.
Dans le même lieu il assemblait des choses de l'art (ARTIFICIALIA) et les curiosités de la nature (NATURALIA) Ce sont deux termes qui sont très utilisés dans le domaine des curiosités.



(Un livre remarquable d'Adalgisa  Lugli reprend ce titre (Naturalia et Artificialia) et je me permettrai d'en transcrire certains propos car ils sont très révélateurs du contenu et de l'esprit des curiosités.

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       Origines et définitions des cabinets de curiosité. (art.1)


Le phénomène de la collection est universel depuis les richesses de Salomon.
               - La plus grande collection est le monde de l'Arche de Noé, vu comme le plus grand musée d'Histoire Naturelle.

              - On peut parler des collections d'Orient mais aussi les collections précolombiennes telles que les effigies en or de tous les animaux, hommes, fleurs, fruits du roi Aztèque, Montezuma.

                Reconstruire l'univers dans une pièce, c'est l'objectif de ces lieux secrets.

              - Dans l'antiquité on plaçait le trésor dans le temple.
Les curiosités étaient aussi des reliques : selon Pline, des temples conservaient un morceau du lien ayant attaché Andromède au rocher, ou bien des os du monstre qui l'avait menacé. En Grèce on collectionne la lyre d'Orphée ou bien la sandale d'Hélène.

             - Pendant le moyen age on apporte des objets dans l'église:

              Les objets sont suspendus dans les sanctuaires. On fait entrer dans les églises des pièces d'archéologie, des colonnes ou reliefs. Ce sont aussi des objets recueillis au moment des Croisades, des reliques ou bien des os de baleine, des crocodiles, des objets de figures bibliques comme le miroir de la Reine de Saba.
On créé des orfèvreries autour d'objets récoltés comme pour l'oeuf d'autruche qui devient symbolique..

               Les monstruosités naturelles entrent dans l'église:
êtres antédiluviens gigantesques, hache préhistorique, crocodile empaillé, météorite, cornes d'antilopes, dents énormes.
               La renommée des sanctuaires et cathédrales se fonde sur ces objets et reliques. On collectionne pour thésauriser, et aussi pour donner une vision du monde et un enseignement et les reliques ont une grande valeur.

      (Tout un chapitre peut être consacré à la question des reliques et il serait bien de l'aborder séparément.)

             - Plus tard à la renaissance, au cours de son voyage aux Pays-Bas, Dürer réuni des Naturalia et des Artificialia qu'il assemble dans un lieu : ce sera une WunderKammer qui est une chambres des merveilles.

             Ces lieux secrets de collection ont deux aspects:
                                  - Au Nord c'est la Wunderkammer qui accumule les richesses du monde à l'instar de Dürer et entasse divers objets naturels ou fabriqués par l'homme. Alors que  la Kunstkammer est la chambre d'art.  En général, la Schatzkammer est le lieu le plus secret de la maison.

                                    - Au Sud, les collections des amateurs italiens accumulent mais aussi tentent de structurer une image construite et cohérente du monde: ce sont les studioli.

Le studiolo est un endroit secret mais aussi de méditation (c'est un phénomène qui préfigure le musée)

                                                                   -  St JEROME -

                              L'image de St Jérôme dans sa cellule date du 15 ème. Il s'agit de la méditation sur les écritures saintes et aussi sur la littérature des Anciens.

                               Lieu de méditation mais aussi de collection d'objets autour du savant : des livres, compas, sphères armillaires, miroirs, clepsydres. Univers intime mais communiquant  par un couloir et une fenêtre montrant un jardin, des paons, lions ou animaux fabuleux.

                               Dans le studiolo, s'il y a un personnage, c'est un lettré humaniste comme St Jérôme. Dans son intérieur, outre les collections de livres, sont disposés  sur les parois les divinités païennes et chrétiennes, les Muses, tous les objets que l'on retrouve dans la mélancolie de Dürer. Il y a des armoires dont les portes présentent des marqueteries en trompe l'oeil qui suggèrent le contenu du meuble. Les murs ont aussi parfois des parois en marqueteries. Enfin une planche synoptique situe les objets.


                                Dans le studiolo, l'homme s'éloigne de la vie active et se recueille dans un lieu retiré  et inaccessible.
                               
                    Quelques studioli illustres :
                    - le studiolo d'Isabelle d'Este
                    - de Frederic de Montefeltre
                    - de François 1er de Médidis au Palazzo Veccio à Florence

       Pour conclure sur un sujet aussi complexe, il faut noter que les grandes constantes des cabinets de curiosité, au Nord comme au Sud, sont d'une part la volonté de collection de tous les aspects du monde naturels ou construits et d'autre part d'en extraire une image du monde, une philosophie pour évoluer vers une méditation, une observation qui préfigure l'esprit scientifique du savant.

Dans tout les cas, le cabinet de curiosité explore un grand éventail de connaissances selon des catégories encyclopédiques : les choses de la nature, les merveilles, les oeuvres d'art, les objets scientifiques, les antiques.


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       Travail de l'été 2007.

Après la réalisation de 3 toiles de 5 m x 3 du Pictorama, comme à chaque saison, j'élabore une nouvelle suite de toiles a tempéra de 2m ou 2m 50 x 1 m50.

                       Le thème, le sujet ou la veine de pensée est puisé dans mes collections de dessins récents. Ils se rapportent à des compositions historiques , allégoriques, symboliques, bibliques ou bien sur les animaux, sur le rapport de l'homme à l'animal, la nature.
           
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 Telles sont mises en place actuellement les compositions suivantes:

        - La nature accompagnée de figures emblématiques représentant les éléments , eau, terre, air, feu.

         - L'allégorie de la nuit.

        - Oeuvres mythologiques dans "Vénus sort de la grotte" ou encore Vénus s'élevant au dessus des flots  (Vénus naissant de l'écume des flots.)

        - Une autre toile se réfère à un assemblage d'animaux domestiques ou exotiques, évoquant les animaux composites constitués d'une accumulation de formes animales.
Cette composition est inspirée des sculptures de Giambologna. Ce dernier était un sculpteur maniériste disciple de Michel Ange.

        - Cette année plusieurs toiles sont consacrées à la danse et à la mise en évidence et en mouvement du corps dans la danse contemporaine. Les figures se trouvent insérées dans des constructions géométriques selon la verticale, l'horizontale et l'oblique.
Ce  sont des carrés, losanges ou bandes verticales qui ordonnancent la surface peinte..

        - Une autre toile de 2 m 50 représente un cabinet de curiosité: un collectionneur entouré d'objets , instruments, poissons volants et animaux ou coraux étranges.


        - Plusieurs toiles sont  d'inspiration biblique:
 
                                 - Ste Catherine embrasse le Christ en Croix (ou bien Ste Lutgarde)
                                 - Le Christ à la colonne.
                                 - Les cavaliers de l'Apocalypse.
                                   Rouge, Jauve-vert, Bleu, noir, sont les couleurs des 4 chevaux.

Cet article sera illustré de photos de dessins au fusain, à la craie ou d'ébauches colorées.

Les mises en place  sont ainsi effectuées sur des toiles préparées précédemment à la colle de peau et au blanc d'espagne.
Les diverses étapes de la réalisation se déroulent maintenant sur deux mois.
Les liants des pigments colorés sont : l'oeuf , blanc seul ou blanc plus jaune ou enfin blanc plus jaune plus huile de lin. C'est le principe de l'émulsion qui assure au coloris richesse et transparence.

On progresse ainsi de l'ébauche colorée à l'exécution proprement dite, (a tempéra à l'oeuf), jusqu'au rehaut de couches superposées et enfin au graphisme final venant soutenir ou accentuer tel mouvement, ligne ou couleur. 
Les filets de blanc sont des raies de lumière qui concrétisent un rayonnement spirituel dans le tableau.

 (Plusieurs toiles sont travaillées en même temps et il semble parfois que l' aspect d'ébauche ou d'inachèvement soit arrêté parce que une limite est atteinte, une finitude est observée et un complément ou une continuation ne semble pas indispensable.)


    

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    Les vanités contemporaines (art.3)

  Plusieurs aspects peuvent être distingués dans les vanités contemporaines.

         -  Les vanites secondes : c'est à dire qu'elles ne se limitent pas seulement à la représentation d'un crâne ou d'un sablier.
Ce sont des allégories telles la "sculpture morte" de Duchamp : c'est une sculpture tête faite de légumes, fruits, insectes, sorte de remake d'Arcimboldo. Pour Duchamp, c'est une sorte de maniérisme second utilisant les caractéristiques du ready-made. Ce sont des vanités secondes car la mort est présente mais en second plan comme neutralisée..


Vanités secondes dans l'oeuvre de Warhol : des crânes il fait un papier mural et il supprime par la reproduction sérielle, la présence immédiate de l'image.

Vanité secondes chez Richter : pour lui, les vanités sont en surface avec le sans style et la non-couleur. Dans ses miroirs on ne voit rien et ils  sont comme des monochromes.

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        - Les  vanités à base de décompositions florales et post-organiques.
C'est la figuration de l'éphémère des fleurs et des fruits; ce sont des décompositions qui respirent le flétri et le pourri : fruits, fleurs et petits riens demeurent les métaphores du temps et de la beauté vouée à la disparition.
Un exemple est la boule de 3333 roses de James Lee Byar, qui se fanent au cours de l'exposition.

Telles sont aussi les fleurs immenses de Giorgia d'O'Keeffe vues dans leurs flétrissures ou bien menacées par une tête de mort. Egalement les fleurs d'Araki aux plis et déplis sexués.
De même Michel Blazy fait souvent état d'organismes végétaux qui se transforment.

        - Les vanités cristallines se rapportent aux effets du verre ou du cristal. Le temps glisse dans des aspects impermanents et se réfléchit dans les images des miroirs.
 
 Par exemple Valérie Belin photographie des miroirs et encadrements de cristal ou des objets de cristal très agrandis. Jean Michel Othoniel créé un rêve de verre : ce sont de minuscules figurines dans des architectures de verre. C'est comme un cabinet de curiosités avec des sirènes, des monstres et hybrides.

L'artiste, Marc Quinn, créé de vraies fausse serres de fleurs: 100 espèces florales sont suspendues et gelées dans le silicone. Ces fleurs sont éphémères mais immortalisées.
  
      
        - Les vanités comiques sont un autre regard sur la finitude de l'homme et sur l'inanité des richesses du monde. Les oeuvres vues précédemment sont d'un aspect mélancolique ou méditatif.
Les vanités comiques sont humoristique grotesque et ironique. Déjà au Moyen Age il y avait de nombreuses représentations qui présentaient une verve comique comme dans l'oeuvre de Jérôme Bosch.
Dans les marges des manuscrits religieux, on trouve des croquis vulgaires voir scatologiques qui décrivent la vérité d'un corps. L'effroi et le comique se mélangent dans les danses macabres.
L'artiste anglais Damien Hirst, actualise ces archétypes de vanités. Par exemple il photographie son visage souriant avec une véritable tête de cadavre.

Plusieurs artistes actuels utilisent la vanité comique comme mode d'expression avec une volonté de provocation et de scandale.
Wim Delvoye, Maurizio Catelan, Alain Séchas sont des exemples de comique et d'évocation de la mort.
A Messager, R Gober, S Fleury ou encore Dietman, Mike Kelley travaillent dans ce sens  et sont des héritiers du surréalisme  ou de Dada. Ils  sont dans la lignée de"Torture Morte " ou "Sculpture morte" de Duchamp.
Citons seulement de Catelan : le pape foudroyé, cheval mort, ou enfants  suspendus dans les arbres.

        - Il y a encore les vanités comiques de répulsion. C'est une vision dégradante de l'homme qui sert à exalter la morale  et amorce la rédemption.
Robert Morris met en scène une communauté de squelettes casqués et peints chevauchant des missiles.
Mike Kelley dans des installations macabres met en scène la nourriture, la sexualité et la  mort. pour cela il se réfère aux films d'horreur, au porno ou à la science Fiction.
Xavier Veilhan qui créé des poufs en forme de crânes, est à mi-chemin, entre le design et la sculpture.

        - Un thème important de la  vanité est celui du corps et de le corruption de la vie. Il s'agit de la nature charnelle de l'homme soumise à la décrépitude et à la maladie.
Un exemple caractéristique est celui de Cloaca de Wim Delvoye.
Delvoye a créé un robot (une sorte de machine qui mesure plusieurs mètres et semble représenter tout le système digestif) avec l'aide de scientifiques : il se nourrit comme l'homme et digère complètement.
 Cela fait penser à la verve irrévérencieuse des moines du Moyen Age qui rappelaient la bassesse des conditions charnelles pour inviter à l'humilité.
Mona Hatoum explore l'intérieur du corps et en projette les vidéos.


       

        - Le monde des objets et des natures mortes dans l'art actuel met en avant la sur-valorisation des objets et biens matériels, montrant ainsi l'opulence de façon burlesque.
Jeff Koons fait en bronze ou en métal étincelant des agrandissements d'objets prosaïques, bibelot ou lapin gonflable.

        - Le thème de la nourriture qui est essentiel dans les vanités se retrouve dans le pop art:
hamburger géant de Rosenquist et Wesselman; côtelette en acier d'Oldenbourg; accumulation de nourriture d'Erro.

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                                               Tels sont divers aspects des Vanités : c'est une comédie de la vanité sous l'angle de l'humour et de l'ironie.
On manie l'irrévérence et et le comique. L'hyperbole, la bouffonnerie, la violence d'expression, sont des caractères constitutifs de la création contemporaine manifestée dans ces vanités. Conjuration de la faillite des utopies et désenchantement: c'est l'expression d'un monde qui vit sans Dieu et qui est purement humain voué au comique et à la dérision.

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                        Les Vanités dans l'art actuel.(art.2)

            Il y a  dans l'art actuel une permanence de l'intérêt pour la vanité, quoique caractérisée par une grande diversité des expressions.
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          - Depuis les 15 ème et 16 ème siècles, les Vanités sont un genre pictural à part entière de la culture baroque en Europe.
          - A la suite des danses macabres et de l'ars moriendi du moyen age la mort va se loger au revers de portrait sous la forme de crânes ou de bougies.
         - Au 20ème siècle, dans certaines toiles de Cézanne de Van Gogh ou de Picasso ou dans les crânes de Tapies, la mort impose sa présence.

          - Dans l'art actuel, on ne se limite pas au crâne mais on se tourne plutôt vers tout ce qui est éphémère et le spectateur est interpellé de façons diverses.
Si les vanités classiques se rapportant au temps et à la mort persistent, le contexte est cependant nouveau et maintenant le spectateur est interpellé de très diverses manières.

          Le crâne  conserve une présence forte mais on montrera aussi le processus de vieillissement, le processus de la mort en cours..
On va montrer par exemple le vieillissement que subit la peau humaine. On présente un effet de dégradation qui fascine et répugne.

                 - Ce sont les photos du visage de Roman Opalka qui vieillit ou les photos de fruits entrain de moisir de Sam Taylor Wood (très belles photos dont certaines font penser à Chardin) ou bien encore la robe de viandes de Jana Sterback.
Ces vanités montrent l'écoulement du temps. On évoque l'éphémère, la fragilité des choses.

 Ce qui diffère c'est l'intention : au 17 ème siècle, la vanité était moralisante alors que maintenant, elle peut prendre une position critique par rapport à note style de vie ou aux conditions économiques du moment. L'éventail des références est élargi.

               - La Vanité peut devenir une figure de dérision de la société de consommation : elle confronte l'homme actuel à ses leurres.

                - Maintenant les vanités s'expriment selon des modes très hétérogènes mais c'est le même paradoxe qui s'impose. Saisir le temps et la mort, cela peut se faire à travers une trace, une forme éphémère.

Les vanités contemporaines diffèrent des vanités classiques par la variété des traitements utilisés et par les matériaux très hétérogènes.
Le spectateur n'est pas mis à contribution de la même manière : il n'y a pas que les conventions  symboliques et moralisantes mais c'est la mise en scène de la dégradation qui peut spécifier l'humain.

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                     Quelques exemples de vanités contemporaines.


Dans l'art actuel on ne se limite pas (bien qu'il y ait de nombreux exemples à commencer par Warhol) à la représentation d'un crâne ou du temps qui passe.

 Il ya le domaine de l'éphémère et des vanités secondes.

   - Par exemple, Duchamp dans "sculpture morte" créé une tête faite de légumes, fruits, insectes, qui est une sorte de remake d'Arcimboldo. Le ready-made devient une sorte de vanité,  la vanité seconde du 20ème siècle.
  - Cette démarche anesthétique neutre se retrouve chez Warhol ou Richter.

                          - Warhol outre ses Crânes, a collectionné toutes sortes de documents (souvenirs, films, cassettes, affiches, invitations etc) dans des boîtes (610 boîtes), les "time capsule"

                         - Roman Opalka, dans son travail inscrit le passage du temps, sa propre évolution dans son travail de numération sur toile depuis 1975. De plus à chaque tableau, correspond une photo de son visage prise sous le même angle  et montrant les stigmates du temps.
                        - Opalka peint en blanc sur des toiles de 2 mètres, les nombres allant de 1 à l'infini.
Cette progression est matérialisée par le fait que les fonds passent du noir au gris de plus en plus clair. (il ajoute à chaque toile 1 % de blanc)
Le but est d'arriver au blanc sur blanc qui sera l'évanouissement de l'existence. ainsi il prévoit que sa destinée doit s'arrêter entre 7. 777. 777 et 8. 888. 888.
Ces suites de nombres donnent trace à la durée et même à la mort.
Selon Opalka, "La mort est une dimension de la vie. L'être est défini par la mort qui lui manque."

             - Les vanités contemporaines sont parfois très proches des vanités classiques.
Telle est l'oeuvre du belge Koen Theys. Il réalise des photos et installations  de plusieurs mètres: c'est une accumulation d'objets emblématiques: crâne, réveil, livres, bougies, ordinateur. c'est une accumulation excessive d'objets et en grande dimension où le regard se perd.

             - Certaines vanités actuelles sont fabriquées selon l'imaginaire de l'artiste, tel le moulage d'un casque en bèton de Moulène ou bien encore, l'australien Swallow fabrique à sa manière un crâne, nouvel objet de vanité. 

             - Dans certaines vanités contemporaines il y a aussi un aspect symbolique rappelant parfois les intentions religieuses du 17 ème siècle.
Les installations de denrées périssables ou de squelettes désignent le temps et la mort .

                        D'une part, il y a les vanités littérales qui ne montrent que la disparition.
                        D'autre part, il y a des installations qui font du temps et de la mort le moteur de cycles qui se renouvellent: dans ce cas, la mort a une autre fonction : elle est le passage obligé avant la régénération.
                          Ce qui rejoint l'intention religieuse des vanités de la Contre-Réforme.
La pourriture des aliments comestibles de Michel Blazy ouvre sur une métamorphose.



                         Dans ces quelques exemples on remarque une diversification des thèmes de la vanité et une ouverture aux questions sociales, par exemple. Cependant des dominantes semblent perdurer par delà les siècles et en particulier les aspects moralisateurs ou philosophiques.

R.Dumoux


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                 Les Vanités. (art.1) Historique et définitions.
  
            VANITATES  VANITATUM, OMNIS EST VANITAS.


Vanité des vanités tout est vanité, ces paroles de l'Ecclésiaste désignent la vacuité des actions humaines.

                       Il s'agit de l'énigme de la naissance et de la mort: le temps et la mort sont  l'essence du thème des vanités.

 Le thème des vanités demeure et s'impose dans les arts depuis le 17 ème siècle, voire depuis Arcimboldo ou Breughel.
A l'origine les vanités renvoyaient à une intention morale et philosophique. Le spectateur était mis en garde contre l'attachement aux biens terrestres.

                          Les peintures de vanités sont issues de la Réforme et de la Contre-Réforme; elles avertissent l'homme des dangers du développement des sciences et de la richesse  (en Hollande à cette époque).

Dans les tableaux, on  déchiffre facilement les symboles tels que le crâne, le sablier, la montre ou la bougie à demi éteinte.
Ces représentations symboliques prévenaient le spectateur des choses mondaines vues comme des leurres.
Dans tous les cas ce sont des préfigurations de la mort. La mort était  représentée dans les figures de Jérôme et de la Madeleine, déjà évocatrices du genre des vanités.

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                       Pour la définir, une vanité, c'est souvent une nature morte qui propose une méditation sur la mort et le caractère éphémère des biens terrestres. Les objets représentés sont des choses qui satisfont les sens (argent, instrument de musique, fruits, fleurs, miroir) et ils sont discrédités par la présence d'une tête de mort ou bien d'un sablier symbole du temps qui passe.

                        Le thème parait donc dans la peinture occidentale au 15 ème siècle dans les polyptyques flamands et se répand sous l'influence du calvinisme.

   -Il se cache dans les anamorphoses et continue ainsi jusqu'à la fin du 17ème siècle.

   -Le 18ème est trop peu religieux et trop attaché au bonheur, pour se faire peur avec ces représentations.

    - Le 19 ème va exprimer sa philosophie du temps et de la mort d'une autre manière et en particulier dans la recherche intellectuelle et scientifique.

     -Au 20ème siècle avec l'inquiétude de l'humanité, le thème réapparaît chez Cézanne, Braque ou Picasso.

      -Dans l'art actuel le thème des vanités est d'une grande richesse et d'une grande diversification.

Ce sera là l'objet du prochain article qui se propose d'être assez  fourni en exemples caractéristiques.

R.Dumoux

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                            LES MOTS (art. 2)

     Lettres et mots, depuis les hiéroglyphes et écritures cunéiformes, semblent caractériser  toutes les mouvements artistiques et de création dans les arts plastiques.

Cet article tente de faire un inventaire de l'art des lettres  et des mots dans l'art moderne et actuel.


                           Le rapport des mots et des images.

            - CAVE CANEM est un exemple illustre de liaison entre le mot et l'image.
 Vers l'an 800 dans le livre de Kells l'écriture apparaît sous une forme plastique.
 Plus près de nous le tableau de Magitte "Ceci n'est pas une pipe" semble ironiser sur le commentaire verbal ou le titre d'un tableau.

            - Les mots peints dans les tableaux impressionnistes. Ce sont les affiches à  Trouville dans une toile de Dufy comme aussi les affiches de spectacle dans l'oeuvre de Toulouse-Lautrec.

             - Les mots symbolistes sont très expressifs. Ils se réfèrent aux manuscrits du moyen âge qui inspirent le renouveau du livre.
On pense en particulier à William Morris comme aux illustrations de Burne Jones.
Les bois gravés de Gauguin mettent en oeuvre mots et lettres selon des formes vivantes et expressives. On remarquera aussi des mots expressionnistes dans les oeuvres de Kirchner.

                - Les mots cubistes. Le cubisme utilise de multiples coupures de journaux ou bien des mots isolés. On peut lire dans les toiles de Braque , BAL ou BACH, des marques de Boisson, SUZE, ainsi que dans les oeuvres de Picasso.

                 - Les mots futuristes.
De Carlo Carra il faut citer le"Manifeste interventionniste". C'est une débauche d'éléments visuels comme un manifeste de rue.
Boccioni et Sévérini ont utilisé  mots et manifestes.
Les toiles de Delaunay mettent en scène la publicité dans la vie moderne.
Malevitch a créé une véritable colonne d'affichage alors que Apollinaire réalise ses Calligrammes.

                   - Les mots DADA.
Pour la revue 391 en 1920, Tristan Tzara créé des textes dénués de sens.
Les écritures  entrent aussi fréquemment en jeu dans les compositions de Picabia.
Duchamp a créé un nouveau genre de livre : les pages sont de différentes dimensions et peuvent être lues dans n'importe quel ordre.
Les fragments d'affiches de Raoul Haussman utilisent mots et lettres.
MERZ de Schwitters est symptomatique de la création verbale dada.

                   - Les constructivistes, Rodtchenko, El Lissitsky, Heartfield, se sont abondamment servi des mots dans leurs compositions peintes ou graphiques.

                    - Pour la période de l'après-guerre Isidore Isou est le fondateur du lettrisme.
Alechinsky use de la calligraphie, et Twombly associe graffiti et calligraphie.
Les affichistes Raymond Hains et Rotella accordent beaucoup d'intérêt aux mots et phrases significatives. Les affiches de Hains sont parfois un témoignage de l'histoire.

                    - Le Pop art également use des mots et des lettres en particulier de la pub.
Parmi les plus illustres citons : Jasper Johns, Stuart Davis, Lichtenstein, Ed Rusha ou Warhol avec COCA COLA par exemple.

                     - Plus tard, il y eut les mots des conceptuels.
De Laurence Weiner, les phrases imprimées en gros caractères sur les murs des musées sont célèbres. A titre d'exemple: "La terre retourne à la terre, les cendres aux cendres, la poussière à la poussière."
Pour On Kawara, la date peinte (sur  une petite toile)  de la réalisation de la  peinture est le sujet. Ex :  "May. 1990 -1991."
Parmi les conceptuels il faut encore mentionner : Art Language, Alighiero et Boetti qui font tisser les mots "ordre et désordre" par des tisserands afgans.
Pour Hamilton Finlay, la poésie délaisse la page du livre et devient un objet comme une sculpture ou une stèle.
Pour Merz et Nanucci ou Bruce Nauman l'alphabet ou les chiffres sont réalisés à l'aide de néons.

                      - L'art actuel est aussi fécond en trouvailles.
Barbara Kruger met en scène des slogans de lettres imposantes à la manière des publicités. "J'ACHETE DONC JE SUIS"  en est un exemple.
Ou encore Jenny Holzer concurence les messages urbains dans ses défilés lumineux.

                    Ce parcours est un aperçu sur l'utilisation des lettres, du langage et des mots au fil des courants artistiques en art. Il y a bien d'autres réalisations à citer et à commenter et en particulier par rapport au lettrisme.
Néanmoins ce regard est stimulant car il permet une vision globale sur l'art de tous les temps et il peut contribuer à libèrer  la créativité et la poésie..

R.Dumoux
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                                      LES MOTS (art 1)

     ILA  TABMOEPK;  GOEMPK,GOMP OROTREP EST OIL PETROGONIEP.
  GROIUK KHAN C'KIN AEKIL NOVATIK.

                                    EILIOME   ELEOINAD     DRUMBLADT.

                      H/H/H/H/H/__OPOP%OPOP __ HTTP_H/H/H/H/
            ////////////////////////////////////R ..     D.////////////////////////////////////////////////


                 LETTRE...... MOT.....RIEN  ....  PRESENCE..... ATTENTE...
             //////////////////////////////////////////ABSENCE/////////////////////////////////////////////////

                                                       PATIENCE

          L'abondance et la facilité des communications peuvent nuire.... et isoler.
                    ////////////////////////        //////////////////////////////////// .
                                       /////////////////////////////////////////////////////
                         .....  WWWWWWWWW.... YYYYYYYYYYYYYY.....


    SILENCE................................................                      
                          TOUT_____PLEIN______PLENITUDE DU TOUT_________  
                               
    :::::::::::::                             VIDE   :::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::                         ///////////////////////////////////////  
                                         
             PLENITUDE                  ???????????????????                   SILENCE
    LE VIDE...........LE PLEIN
    YVES KLEIN...ARMAN
                                                                                                              TOTAL

     SENS............... NON-SENS..........................................
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          Le bruit , les SPAM :100 par jour.   DDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDD           
                                                   
    DDDDDDD     DDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDD                                                       
                                                        
ARP PICABIA ALBERTI ISIDORE DUCASSE ERNST THEO VAN DOESBURG GOYA ARROYO OROZCO OLITZKI INDIANA ARAKAWA  ARTS AND CRAFTS TOBEY YEATS SCHNABEL LEWITT TURNER ROSSETTI..................................
............................................................ISIDORE DUCASSE

                             ????????????????????????????


                 Les pages ornementales des lettres des évangéliaires, l'accumulation des lettres dans les tables de canon, les calligrammes d'Apollinaire, palimpsestes, compositions lettristes, sont quelques exemples de jeux décoratifs avec des lettres et des mots.
  
                           !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

            Il s'agit là de propositions de recherches ou de travaux plastiques à effectuer
soit individuellement, soit au sein d'ateliers.

          Ce jeu de clavier avec les lettres est un préambule à l'article suivant consacré à l'ART et LES MOT
                                 
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                                                                                                                                            R.Dumoux
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                                               Shangaî  (toile de 5 m x 3m)

    Le Pictorama,  ensemble monumental peint de 30 tableaux de 5 m x 3 est consacré à l'histoire de l'humanité depuis le Big Bang  jusqu' à nous et se projette dans le futur.  (site www.viapictura.com)

Les faits historiques essentiels sont dépeints dans ces grandes compositions peintes a tempéra.
Pour l'époque actuelle, outre les progrès de la science ou la conquête de l'espace, plusieurs tableaux mettent en scènes les  métropoles et mégalopoles.
         
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                Une toile de 5 m vient de s'achever et elle représente une vue actuelle  bien caractéristique de Shangaï.
  La Chine représente pour nous occidentaux une fascination et aussi une crainte devant les projets et réalisations écrasantes qui sont mises en oeuvre.


                 A titre d'exemple, il faut citer en Chine le plus grand barrage  hydroélectrique du monde, sur le fleuve Yang Tsé. (6360 km). Mis en service en 2008 il va produire des milliards de KW à partir de ce fleuve gigantesque. Ce barrage titanesque va engloutir 13 villes, 4500 villages,160 sites archéologiques dont certains majeurs : l'environnement, les populations et le climat peuvent en être menacés (et en particulier Shangaï). Cependant on a pu tout de même déplacer un temple important et vieux de 1700 ans.

                  Den Xiaoping disait en 1990: "si la Chine devient un dragon, Shangaï sera sa tête."
De fait la ville la plus peuplée (13 millions d'habitants) est devenue le symbole et le moteur d'un énorme Boom économique, dans le pays le plus peuplé du monde.
Ce sont toutes ces caractéristiques qui m'ont incité à créer dans un grand tableau de 5 m une vue emblématique de Shangaï.

                  Cette ville composée maintenant d'une forêt de milliers de gratte-ciels abrite encore quelques lieux saints ou s'épanouit la tradition ancestrale.
C'est une cité en perpétuelle développement, la plus branchée du continent asiatique et la plus cosmopolite.
                   Cette ouverture au monde est à Shangaï une tradition qui a commencé en 1843, lorsque les Britanniques puis les Français et Américains y constituèrent des concessions. C'est le pays du Lotus Bleu.  Au tournant du 20ème siècle Shangaï, les casinos, la frénésie sociale et artistique lui valent le surnom de "Paris de l'orient"

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                    La toile de 5 m. représente une vue célèbre de Shangaï, un grand paysage urbain au bord du fleuve Yang Tsé. On remarque la forêt de buildings mais aussi les architectures aux formes modernistes, audacieuses et symboliques. Tracés traditionnels rectilignes ou de courbes et lignes ondoyantes alternent avec des volumes simples mais fortement évidents tels que les sphères et en particulier la suggestion du globe terrestre où se reconnaît facilement la cartographie de notre planète. (Volume symbolique sur la suprématie et l'ambition d'un peuple.)

        Comme les autres toiles du Pictorama, une maquette précise a été réalisée, travaillée comme une aquarelle, puis agrandie au carreau selon la méthode traditionnelle. Un carroyage précis a éte fait de façon à rendre de façon exacte l'horizontalité et la verticalité des lignes et leur parallélisme.

      Suite à l'agrandissement a succédé une ébauche colorée générale, toute de transparence.
L'exécution proprement dite est faite à l'aide du procédé a tempéra à l'oeuf.

La fragmentation de la touche fait que dans ce tableau il y a des millions de coups de pinceau.
 Procédé qui rejoint là, la pensée extrême orientale du peintre et philosophe Shitao dont il a été question dans un article précédent.

 R.Dumoux
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