Les Vanités. (art.1) Historique et définitions.
  
            VANITATES  VANITATUM, OMNIS EST VANITAS.


Vanité des vanités tout est vanité, ces paroles de l'Ecclésiaste désignent la vacuité des actions humaines.

                       Il s'agit de l'énigme de la naissance et de la mort: le temps et la mort sont  l'essence du thème des vanités.

 Le thème des vanités demeure et s'impose dans les arts depuis le 17 ème siècle, voire depuis Arcimboldo ou Breughel.
A l'origine les vanités renvoyaient à une intention morale et philosophique. Le spectateur était mis en garde contre l'attachement aux biens terrestres.

                          Les peintures de vanités sont issues de la Réforme et de la Contre-Réforme; elles avertissent l'homme des dangers du développement des sciences et de la richesse  (en Hollande à cette époque).

Dans les tableaux, on  déchiffre facilement les symboles tels que le crâne, le sablier, la montre ou la bougie à demi éteinte.
Ces représentations symboliques prévenaient le spectateur des choses mondaines vues comme des leurres.
Dans tous les cas ce sont des préfigurations de la mort. La mort était  représentée dans les figures de Jérôme et de la Madeleine, déjà évocatrices du genre des vanités.

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                       Pour la définir, une vanité, c'est souvent une nature morte qui propose une méditation sur la mort et le caractère éphémère des biens terrestres. Les objets représentés sont des choses qui satisfont les sens (argent, instrument de musique, fruits, fleurs, miroir) et ils sont discrédités par la présence d'une tête de mort ou bien d'un sablier symbole du temps qui passe.

                        Le thème parait donc dans la peinture occidentale au 15 ème siècle dans les polyptyques flamands et se répand sous l'influence du calvinisme.

   -Il se cache dans les anamorphoses et continue ainsi jusqu'à la fin du 17ème siècle.

   -Le 18ème est trop peu religieux et trop attaché au bonheur, pour se faire peur avec ces représentations.

    - Le 19 ème va exprimer sa philosophie du temps et de la mort d'une autre manière et en particulier dans la recherche intellectuelle et scientifique.

     -Au 20ème siècle avec l'inquiétude de l'humanité, le thème réapparaît chez Cézanne, Braque ou Picasso.

      -Dans l'art actuel le thème des vanités est d'une grande richesse et d'une grande diversification.

Ce sera là l'objet du prochain article qui se propose d'être assez  fourni en exemples caractéristiques.

R.Dumoux

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                            LES MOTS (art. 2)

     Lettres et mots, depuis les hiéroglyphes et écritures cunéiformes, semblent caractériser  toutes les mouvements artistiques et de création dans les arts plastiques.

Cet article tente de faire un inventaire de l'art des lettres  et des mots dans l'art moderne et actuel.


                           Le rapport des mots et des images.

            - CAVE CANEM est un exemple illustre de liaison entre le mot et l'image.
 Vers l'an 800 dans le livre de Kells l'écriture apparaît sous une forme plastique.
 Plus près de nous le tableau de Magitte "Ceci n'est pas une pipe" semble ironiser sur le commentaire verbal ou le titre d'un tableau.

            - Les mots peints dans les tableaux impressionnistes. Ce sont les affiches à  Trouville dans une toile de Dufy comme aussi les affiches de spectacle dans l'oeuvre de Toulouse-Lautrec.

             - Les mots symbolistes sont très expressifs. Ils se réfèrent aux manuscrits du moyen âge qui inspirent le renouveau du livre.
On pense en particulier à William Morris comme aux illustrations de Burne Jones.
Les bois gravés de Gauguin mettent en oeuvre mots et lettres selon des formes vivantes et expressives. On remarquera aussi des mots expressionnistes dans les oeuvres de Kirchner.

                - Les mots cubistes. Le cubisme utilise de multiples coupures de journaux ou bien des mots isolés. On peut lire dans les toiles de Braque , BAL ou BACH, des marques de Boisson, SUZE, ainsi que dans les oeuvres de Picasso.

                 - Les mots futuristes.
De Carlo Carra il faut citer le"Manifeste interventionniste". C'est une débauche d'éléments visuels comme un manifeste de rue.
Boccioni et Sévérini ont utilisé  mots et manifestes.
Les toiles de Delaunay mettent en scène la publicité dans la vie moderne.
Malevitch a créé une véritable colonne d'affichage alors que Apollinaire réalise ses Calligrammes.

                   - Les mots DADA.
Pour la revue 391 en 1920, Tristan Tzara créé des textes dénués de sens.
Les écritures  entrent aussi fréquemment en jeu dans les compositions de Picabia.
Duchamp a créé un nouveau genre de livre : les pages sont de différentes dimensions et peuvent être lues dans n'importe quel ordre.
Les fragments d'affiches de Raoul Haussman utilisent mots et lettres.
MERZ de Schwitters est symptomatique de la création verbale dada.

                   - Les constructivistes, Rodtchenko, El Lissitsky, Heartfield, se sont abondamment servi des mots dans leurs compositions peintes ou graphiques.

                    - Pour la période de l'après-guerre Isidore Isou est le fondateur du lettrisme.
Alechinsky use de la calligraphie, et Twombly associe graffiti et calligraphie.
Les affichistes Raymond Hains et Rotella accordent beaucoup d'intérêt aux mots et phrases significatives. Les affiches de Hains sont parfois un témoignage de l'histoire.

                    - Le Pop art également use des mots et des lettres en particulier de la pub.
Parmi les plus illustres citons : Jasper Johns, Stuart Davis, Lichtenstein, Ed Rusha ou Warhol avec COCA COLA par exemple.

                     - Plus tard, il y eut les mots des conceptuels.
De Laurence Weiner, les phrases imprimées en gros caractères sur les murs des musées sont célèbres. A titre d'exemple: "La terre retourne à la terre, les cendres aux cendres, la poussière à la poussière."
Pour On Kawara, la date peinte (sur  une petite toile)  de la réalisation de la  peinture est le sujet. Ex :  "May. 1990 -1991."
Parmi les conceptuels il faut encore mentionner : Art Language, Alighiero et Boetti qui font tisser les mots "ordre et désordre" par des tisserands afgans.
Pour Hamilton Finlay, la poésie délaisse la page du livre et devient un objet comme une sculpture ou une stèle.
Pour Merz et Nanucci ou Bruce Nauman l'alphabet ou les chiffres sont réalisés à l'aide de néons.

                      - L'art actuel est aussi fécond en trouvailles.
Barbara Kruger met en scène des slogans de lettres imposantes à la manière des publicités. "J'ACHETE DONC JE SUIS"  en est un exemple.
Ou encore Jenny Holzer concurence les messages urbains dans ses défilés lumineux.

                    Ce parcours est un aperçu sur l'utilisation des lettres, du langage et des mots au fil des courants artistiques en art. Il y a bien d'autres réalisations à citer et à commenter et en particulier par rapport au lettrisme.
Néanmoins ce regard est stimulant car il permet une vision globale sur l'art de tous les temps et il peut contribuer à libèrer  la créativité et la poésie..

R.Dumoux
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                                      LES MOTS (art 1)

     ILA  TABMOEPK;  GOEMPK,GOMP OROTREP EST OIL PETROGONIEP.
  GROIUK KHAN C'KIN AEKIL NOVATIK.

                                    EILIOME   ELEOINAD     DRUMBLADT.

                      H/H/H/H/H/__OPOP%OPOP __ HTTP_H/H/H/H/
            ////////////////////////////////////R ..     D.////////////////////////////////////////////////


                 LETTRE...... MOT.....RIEN  ....  PRESENCE..... ATTENTE...
             //////////////////////////////////////////ABSENCE/////////////////////////////////////////////////

                                                       PATIENCE

          L'abondance et la facilité des communications peuvent nuire.... et isoler.
                    ////////////////////////        //////////////////////////////////// .
                                       /////////////////////////////////////////////////////
                         .....  WWWWWWWWW.... YYYYYYYYYYYYYY.....


    SILENCE................................................                      
                          TOUT_____PLEIN______PLENITUDE DU TOUT_________  
                               
    :::::::::::::                             VIDE   :::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::                         ///////////////////////////////////////  
                                         
             PLENITUDE                  ???????????????????                   SILENCE
    LE VIDE...........LE PLEIN
    YVES KLEIN...ARMAN
                                                                                                              TOTAL

     SENS............... NON-SENS..........................................
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          Le bruit , les SPAM :100 par jour.   DDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDD           
                                                   
    DDDDDDD     DDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDD                                                       
                                                        
ARP PICABIA ALBERTI ISIDORE DUCASSE ERNST THEO VAN DOESBURG GOYA ARROYO OROZCO OLITZKI INDIANA ARAKAWA  ARTS AND CRAFTS TOBEY YEATS SCHNABEL LEWITT TURNER ROSSETTI..................................
............................................................ISIDORE DUCASSE

                             ????????????????????????????


                 Les pages ornementales des lettres des évangéliaires, l'accumulation des lettres dans les tables de canon, les calligrammes d'Apollinaire, palimpsestes, compositions lettristes, sont quelques exemples de jeux décoratifs avec des lettres et des mots.
  
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            Il s'agit là de propositions de recherches ou de travaux plastiques à effectuer
soit individuellement, soit au sein d'ateliers.

          Ce jeu de clavier avec les lettres est un préambule à l'article suivant consacré à l'ART et LES MOT
                                 
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                                                                                                                                            R.Dumoux
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                                               Shangaî  (toile de 5 m x 3m)

    Le Pictorama,  ensemble monumental peint de 30 tableaux de 5 m x 3 est consacré à l'histoire de l'humanité depuis le Big Bang  jusqu' à nous et se projette dans le futur.  (site www.viapictura.com)

Les faits historiques essentiels sont dépeints dans ces grandes compositions peintes a tempéra.
Pour l'époque actuelle, outre les progrès de la science ou la conquête de l'espace, plusieurs tableaux mettent en scènes les  métropoles et mégalopoles.
         
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                Une toile de 5 m vient de s'achever et elle représente une vue actuelle  bien caractéristique de Shangaï.
  La Chine représente pour nous occidentaux une fascination et aussi une crainte devant les projets et réalisations écrasantes qui sont mises en oeuvre.


                 A titre d'exemple, il faut citer en Chine le plus grand barrage  hydroélectrique du monde, sur le fleuve Yang Tsé. (6360 km). Mis en service en 2008 il va produire des milliards de KW à partir de ce fleuve gigantesque. Ce barrage titanesque va engloutir 13 villes, 4500 villages,160 sites archéologiques dont certains majeurs : l'environnement, les populations et le climat peuvent en être menacés (et en particulier Shangaï). Cependant on a pu tout de même déplacer un temple important et vieux de 1700 ans.

                  Den Xiaoping disait en 1990: "si la Chine devient un dragon, Shangaï sera sa tête."
De fait la ville la plus peuplée (13 millions d'habitants) est devenue le symbole et le moteur d'un énorme Boom économique, dans le pays le plus peuplé du monde.
Ce sont toutes ces caractéristiques qui m'ont incité à créer dans un grand tableau de 5 m une vue emblématique de Shangaï.

                  Cette ville composée maintenant d'une forêt de milliers de gratte-ciels abrite encore quelques lieux saints ou s'épanouit la tradition ancestrale.
C'est une cité en perpétuelle développement, la plus branchée du continent asiatique et la plus cosmopolite.
                   Cette ouverture au monde est à Shangaï une tradition qui a commencé en 1843, lorsque les Britanniques puis les Français et Américains y constituèrent des concessions. C'est le pays du Lotus Bleu.  Au tournant du 20ème siècle Shangaï, les casinos, la frénésie sociale et artistique lui valent le surnom de "Paris de l'orient"

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                    La toile de 5 m. représente une vue célèbre de Shangaï, un grand paysage urbain au bord du fleuve Yang Tsé. On remarque la forêt de buildings mais aussi les architectures aux formes modernistes, audacieuses et symboliques. Tracés traditionnels rectilignes ou de courbes et lignes ondoyantes alternent avec des volumes simples mais fortement évidents tels que les sphères et en particulier la suggestion du globe terrestre où se reconnaît facilement la cartographie de notre planète. (Volume symbolique sur la suprématie et l'ambition d'un peuple.)

        Comme les autres toiles du Pictorama, une maquette précise a été réalisée, travaillée comme une aquarelle, puis agrandie au carreau selon la méthode traditionnelle. Un carroyage précis a éte fait de façon à rendre de façon exacte l'horizontalité et la verticalité des lignes et leur parallélisme.

      Suite à l'agrandissement a succédé une ébauche colorée générale, toute de transparence.
L'exécution proprement dite est faite à l'aide du procédé a tempéra à l'oeuf.

La fragmentation de la touche fait que dans ce tableau il y a des millions de coups de pinceau.
 Procédé qui rejoint là, la pensée extrême orientale du peintre et philosophe Shitao dont il a été question dans un article précédent.

 R.Dumoux
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       Les lignes et leur signification. (et dans l'oeuvre de Markus Raetz) Art.2

  

    - Les lignes ondoyantes et serpentines: elles fascinent Raetz : ce sont des étreintes , des vagues, des corps sensuels, des serpents ou des boucles de cheveux.

                   Diderot parle de la ligne serpentante :
      - La statue équestre plaît plus que la statue pédestre, la ligne brisée plus que la droite, la ligne circulaire plus que la brisée, l'ovale plus que la circulaire, la serpentante plus que l'ovale.

      - La ligne ondoyante symbolise le mouvement, la vie.
      - La ligne droite est le symbole de l'inertie.
Diderot tient compte de la pensée d' Hogarth" dans son "analyse de la Beauté"

  - Hogarth, contre la droite, contre la symétrie, contre les jardins français, chante l'hymne de de la ligne serpentine. Il dit qu'il n'y a pas de divinité égyptienne, grecque ou romaine sans qu'il y ait un serpent enroulé, une corne d'abondance ou autre symbole sinueux .
Allées sinueuses, ruban autour d'une canne, linéament d'un os, boucle de cheveux, formes de flammes, de vagues conduisent l'oeil dans une poursuite enjouée.

- Raphael refuse la manière droite et raide et s'entiche de la ligne serpentine à la vue de Michel Ange et des draperies antiques.

- L'analyse de la beauté d'Hogarth a en épigraphe 2 vers de Milton:
"Ainsi Satan variait ses mouvements et sa queue tortueuse. Enroulant ses capricieux anneaux à la vue d'EVE."

                L'artiste actuel Markus Raetz multiplie spirales et tourbillons. Il suggère tourbillons, remous, mouvements de la mer et des vents. En cela il est proche de Léonard dans ses carnets lorsqu'il parle des tourbillons.

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       Plusieurs aspects des oeuvres, dessins ou sculptures, de cet artiste sont dans le prolongement de ces réflexions. Citons pour conclure quelques exemples.

- 1979. Raetz construit Mimi, ensemble d'éléments de bois de section carrée, de 50 cm à 200 cm. L'ensemble forme une sculpture fruste. La forme suggérée par l'assemblage est une figure soit couchée, soit assise. C'est une sorte de marionnette brute ou poupée équarrie. ( le nom de Mimi désigne des esprits de certains aborigènes d'Australie.)
- Dans labyrinthe d'Eros, Raetz créé des labyrinthes, des dédales et des méandres. Il évoque un hémisphère dans une chevelure. En 1980, il dessine des entrelacs de lignes qui sont comme des figures enlacées.

- Dans la suite du travail des lignes, Markus Raetz utilise les  ponctuations. Il dessine des parenthèses, virgules, lignes de points,tirets, signes d'addition, de soustraction, de division ou multiplication ainsi que des arobases, des esperluettes, signes de l'infini et aussi les flèches.
Toutes ces figures sont à le base de ses dessins et sculptures.

     De plus Raetz joue avec les lettres et les mots pour ses dessins et ses sculptures.

                             Par exemple, le Z de zénith renversé devient Nadir.
                              Le Y symbolise la langue bifide du serpent ou bien 2 doigts écartés ou bien la lettre érotique du y.
                              Le Y est aussi la fronde de David. Mais aussi l'aiguillage, le carrefour, le diapason ou la fourche à 2 dents.
                              Le M c'est l'homme et renversé ,W, il figure la femme.

Raetz joue avec les anagrammes, les homophonies, les échos et les contrepèteries.
                                              Night- Light...Ligne-Linge...

Il relève tous les mots qui en argot désignent la tête:
                                                 caboche, caisson, citrouille, poire, potiron, citron, trognon...
Il relève l'expression des mains..   les mains travaillent, écrivent, caressent, fouillent, une main caresse un coeur, recherchent la pensée dans un cerveau.

    Enfin pour conclure sur le travail de Markus Raetz, il faut citer, à l'opposé, l'emploi des taches.
Il grave ainsi des paysages de l'ici et de l'ailleurs.. des collines, un fond de vallée, des montagnes , une grande plaine. Il en propose des archétypes. Pour cela il choisit le moyen du hasard contrôlé qui a passionné Hugo et il se réfère aussi au traité de l'anglais Cozens.
Raetz s'inspire aussi de carnets de Léonard fasciné par les murs.

"Si tu regardes des murs barbouillés de taches et si tu veux imaginer quelque chose, tu y verras des paysages variés, des montagnes, des fleuves, rochers arbres et collines ou montagnes."
Il retouche les taches, les formes accidentelles et il les reprend.


Tout l'oeuvre de Raetz est intéressant à évoquer, car il est suggestif d'une richesse de pensée et d'imagination et ainsi il est précieux pour tout ceux qui  cultivent l'art du dessin ou le proposent à des disciples.


R. Dumoux

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Le dessin et les lignes.

            Dans un livre à propos de l'artiste actuel, Markus Raetz, Gilbert Lascault cite un certain nombre de textes ou d'anecdotes relatives au dessin et à sa pratique.
 Ces références me paraissent être en rapport de pensée et de sensibilité avec mon travail et en particulier avec mes dessins. (D'où la présence de certains d'entre eux comme illustration de cet article.)
Selon les siècles, chaque anecdote exprime une pensée, une réflexion sur l'art du dessin.

     - "NULLA  DIES  SINE  LINEA" est une citation de Pline l'Ancien (23-79 av. J.C.)
 C'est un mot attibué à Apelle  (4 ème siècle av. J.C.) : Apelle ne passait pas un jour sans tracer une ligne, sans s'être exercé par quelque trait.
    - Dans l'antiquité les écrivains insistent sur l'importance des lignes. Pline parle d'une rencontre entre Protogène et Apelle. Apelle va à Rhodes visiter Protogène.
Ce dernier est absent mais Apelle découvre un panneau et dessine une ligne. A son retour Protogène comprend que Apelle est passé là, car nul autre n'est capable d'une telle perfection et finesse.
- Zeuxis et Parrhasios aussi apportent beaucoup à cet art du dessin.

     - Giotto (1266-1337)  prouve sa maîtrise en dessinant des lignes. A un légat du pape venus lui demander des dessins pour un projet de fresque, il lui traça un cercle en gardant le bras collé au corps et en faisant tourner sa main comme un pinceau. Le tracé parfait de ce cercle permit au pape de se rendre compte de la supériorité de Giotto et ainsi il lui confia la réalisation du projet.
C'est Vasari dans ses "Vies" qui rapporte cette anecdote.

      - Au cours des siècle suivants on connaît bien cet intérêt pour le dessin particulièrement aux époques renaissance ou classique, que l'on envisage les sinuosités de Botticelli, de Léonard ou le classicisme de Lebrun ou les gravures des burinistes du 17ème, de Claude Mellan par exemple.. qui gravait d'un trait continu de burin le visage du Christ.

      - Au 18 ème siècle, le concept de la ligne avec Diderot et d'Alembert fait que la ligne est une quantité qui n'a ni largeur, ni profondeur et qui n'est étendue qu'en longueur.

      - Selon l'Encyclopédie, la ligne est formée par l'écoulement et le mouvement d'un point.
Il y a deux sortes de lignes: les droites et les courbes . Les droites sont toutes de même espèce mais il y a des lignes courbes d'un nombre infini d'espèces.

     - Plus près de nous, outre les graveurs et dessinateurs de Dali à Bellmer, Marcel
 Duchamp a fait une réflexion particulière sur la ligne: il s'agit de son mètre souple, 3 stoppages étalon.
Un fil droit tombe sur le plan horizontal et cette nouvelle ligne lui fournit une nouvelle unité de longueur.


                          Cet article veut évoquer l'importance du concept de la ligne et du dessin tout au long de l'histoire. Il peut être source de méditation et de création pour toute personne qui aime le dessin et se trouve passionné par le travail des lignes.


                          Dans le prochain article, il sera question des diverses sortes de lignes qui fascinent Markus Raetz et à partir desquelles il a créé des dessins et des assemblages ou sculptures..

   R.Dumoux

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        La pensée extrême-orientale dans l'oeuvre de Tapies.


         L'informe, la matière, le mur, les traces, écritures et objets sont les éléments déterminants de l'oeuvre de Tapies.
        Tapiès a également une conscience aigüe  de l'historicité et s'est intéressé aux nouvelles tendances de l'art.
Son  travail se rapporte souvent aux courants artistiques du 20ème siècle.
Néo-dada, Nouveau- Réalisme, Art Conceptuel, Art Pauvre, Néo-Peinture sont des mouvements majeurs avec lesquels il est en proximité, comme tout artiste sensible à ce qui circule dans l'air du temps.


         La pratique de l'art comme expérience existentielle permet une connaissance absolue de la réalité profonde. C'est l'expression des pensées et des sentiments qui prennent forme dans l'oeuvre.
  Tapiès a été conforté dans son attitude créatrice par la pensée asiatique et par le zen. Il a été question de cela relativement aux murs, à la révélation du mur et de la mutité.
   "Au pied du mur", "cet homme là, c'est un mur", quelques expressions parmi d'autres qui évoquent cet obstacle auquel on se heurte comme au néant, avec un sentiment d'impuissance  et de désarroi face à l'existence. Cette mutité est aussi une plénitude qui, peu à peu, veut tout dire, comme la plénitude du tout. Nous frappons un mur dans un extrême désespoir et finalement voici que le mur s'ouvre.
Cette expérience Zen se retrouve dans le non savoir des mystiques de tous les temps.


   Dans son travail,Tapiès a beaucoup utilisé les objets de toute nature. C'est par là aussi qu'il s'est  ressourcé dans la proximité de la philosophie extrême orientale.

Les objets ne sont là que pour l'humilité de leur histoire. Sortis de la vie ils sont atteints de néant, de vacuité. Ils ont une apparence mais ce n'est pas que l'apparence, selon l'idée bouddhique.
Tapiès décrit ce que l'on peut voir dans l'objet le plus  simple comme une vieille chaise qui peut être chargée de sens et d'émotion.
Pour cette raison il a installé une chaise au dessus de sa fondation: cette chaise sort d'un nuage de fils métalliques, comme naissant d'orbites et trajectoires. Siège offert? C'est le siège d'un dieu?

Au début l'art bouddhique ne représentait pas le Bouddha: on ne présentait que les marques des pieds, les sandales, un lit, un siège.
" le Bouddha peut être une chaussette sale."
Aussi à Montjuic, à côté de fresques romane, Tapies a érigé une chaussette géante accompagnée d'une croix et d'un miroir. Cela montre que l'on peut parvenir à la transcendance par quelque chose de simple.

Les références bouddhiques abondent dans le travail de Tapiès.
Certains titres sont directement bouddhiques: DUKKHA,  THATAGATA,  Dada,
L'oeuvre "Ni identitat" réunit 3 sources: Scientifiques, Bouddhique, Chrétienne.

Tapiès, depuis ses murs et son inspiration du Brahmane fondateur du Zen,  s'est toujours intéressé profondément au bouddhisme, à sa philosophie, bien qu'il n'ait pas  pas adhéré à la religion.
Cela donne à son attitude artistique ainsi qu'aux oeuvres  un rayonnement, important au delà d'aspects extérieurs parfois difficiles.

Ces diverses réflexions sont inspirées d'un ouvrage de Youssef Ishagpour.

R.Dumoux

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                       Antoni  TAPIES. Présence et pouvoir de l'abstraction. (Art.1)
(Abstraction, matière, silence et plénitude)

                  L'oeuvre de Tapies (peintre catalan né en 1923) parait déroutante dans le cas d'oeuvres isolées.
Un excellent livre est paru à propos de Tapies et cet article se fait l'écho de certains textes intéressants, à portée biographique mais surtout philosophique qui éclairent cette oeuvre monacale et mettent en évidence sa force ..

            Il est nécessaire de considérer quelques temps forts de la biographie artistique de Tapies.
A Barcelone, la chute de la République fut un événement majeur de sa jeunesse. Il fut malade et connut une métamorphose intérieure faite de clairvoyance et d'illumination. Il se sent artiste prophète, artiste chaman. Il a des goûts pour le dessin et vite il devient maître dans l'art photographique et réaliste, dans un style épidermique.

            Mais cette maîtrise le dégoûte et il se porte vers l'art maudit et l'art moderne qui le bouleverse. La paranoïa critique de Dali l'influence mais surtout Dada. Duchamp, Schwitters  puis Picasso, Miro l'imprègnent. L'art s'impose à lui comme unique chemin et l'art permet de donner un sens à la vie insupportable et à l'air irrespirable venu de  l'ordre nouveau des fascistes.



               L'oeuvre de Tapies contient des métamorphoses constantes issues du romantisme et du symbolisme, avec des racines magiques et chamaniques.

- Les 1ères oeuvres originales de Tapiès sont des tableaux cosmiques et des collages à base de matériaux quelconques et aussi de figures mythologiques.. Il va également utiliser l'automatisme psychique.

- Contre le réalisme photo il développe la matérialité : il va créer des pâtes épaisses en mélangeant de la peinture à l'huile et du blanc d'espagne.
Il sera influencé par Miro et ses peintures au goudron avec cordages et ferrailles.

- Puis avec Paul Klee, il renonce à la matérialité des tableaux précédents et utilise une peinture à l'huile très diluée, transparente, dégageant une atmosphère gazeuse, aérienne ou aquatique. Il créé des champs magnétiques, des étoiles, des êtres hybrides des formes géométriques, damiers et courbes flottants, un peu comme les visions de Ernst ou de yves Tanguy.


- Tapies s'intéresse à l'art abstrait, il se détourne de la narration et va travailler aussi dans le sens d'une abstraction géométrique.
Il va aussi pratiquer l'expressionnisme du geste, les essais, les erreurs et accidents. Il fait se former la matière par le mélange de toutes sortes de corpuscules: sable poussière de marbre, poils, huiles, fils, terres de couleurs.
A partir de 1952, ce sont ses 40 jours de séjour dans la désert.

- Alors les murs s'imposent  à lui par leur mutité. Ils sont muets mais les graffitis parlent : c'est un monde de traces humaines émouvantes.
C'est cette expérience très vivante d'impacts, de politique, de lacération, de souffrance ou de révolte que Tapiès a mis au jour.
- Avec cette notion du mur, Tapiès affronte le désenchantement et l'absence de sens dans le mutisme de la matière..


- Tapiès a été conforté dans son attitude en apprenant que Bodhidharma, (fondateur du Zen japonais, contemplateur d'un mur). Ce brahmane qui a passé 12 ans à méditer devant un mur pour atteindre l'illumination et la parfaite connaissance du réel, est un initiateur.
L'expérience du Zen est connue en Occident car elle a été décrite dans les textes existentialistes. Pour le Zen, l'expérience est dans le non-savoir de tous les temps. Les préceptes Zen enseignent que l'obscurité et l'illumination sont une seule et même chose. Le silence et la plénitude du tout sont une seule et même chose. La mutité, le silence, veut tout dire.

- Les murs enseignent aussi le travail de la matière, la sédimentation, la coulée d'encre et de vernis. Il use de la spontanéité comme dans la calligraphie chinoise, en bonne connaissance des matières et des matériaux. A cela s'ajoute parfois la présence de graffitis,  chiffres, lettres ou signes, comme des paysages accompagnés d'écritures.

- Avec l'amour du noir, il y a aussi chez Tapiès de plus en plus d'objets et des sculptures en terre chamotée. Il mélange l'argile cuite en poudre avec l'argile crue.
Il obtient ainsi les effets du temps qui passe, le vieillissement.
C'est le temps, la finitude et la mort, l'art de la réalité: objets, ficelles, papiers salis, assiettes, poils, linge etc.. c'est l'expression du bas de l'éphémère, du laid et du repoussant, avec la mise en évidence de l'objet souvent trivial.
L'art ancien consacre le monde des dieux et le ciel;  maintenant depuis le 18 ème c'est une réalité subjective qui s'impose.

    On le comprend l'oeuvre de Tapies prend en compte et assimile les diverses tendances artistiques du siècle avec un ressourcement dans la philosophie asiatique.

Son ouverture à la pensée extrême-orientale fera l'objet d'un prochain article.


R.Dumoux

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   "L'unique trait de Pinceau" (art.2)
Ouvrage chinois de peinture écrit vers 1702 par SHITAO, peintre philosophe.
                     
               Extraits:

 "  Dans la haute antiquité, il n'y avait pas de règle. La suprême simplicité n'était pas encore divisée, car dès que la simplicité se divise , la règle s'établit.

La Règle se fonde sur l'Unique Trait de Pinceau.
L'unique trait de pinceau est à l'origine de toutes choses, la racine de tous les phénomènes. Sa fonction est manifeste pour l'esprit mais cachée de l'homme, et le vulgaire l'ignore.

C'est par soi même que l'on doit établir la règle de l'unique trait de pinceau.
Le fondement de la règle de l'unique trait de pinceau. Le fondement de la règle de l'unique trait de pinceau réside dans l'absence de règles. La règle ainsi obtenue embrasse la multiplicité des règles. "

    "La peinture émane de l'intellect : qu'il s'agisse de la beauté des monts, fleuves, personnages et choses ou qu'il s'agisse du caractère des oiseaux, des bêtes, des herbes et des arbres, ou qu'i s'agisse de la position des pavillons des esplanades et des édifices. On ne peut épuiser ces aspects variés si on ne possède pas cette mesure de l'unique trait de pinceau, car le trait de pinceau embrasse tout jusqu'au plus lointain inaccessible.
Sur 10 millions de coups de pinceaux, il n'en est pas un qui ne réside dans l'unique trait de pinceau dont le contrôle n'appartient qu'à l'homme."

  "Par l'unique trait de pinceau, l'homme peut restituer en miniature une réalité plus grande sans rien en perdre et le pinceau ira jusqu'à la racine des choses.
 Il faut être habile aux formes circulaires ou angulaires, droites ou courbes, ascendantes ou descendantes.
Le pinceau va à droite, à gauche, en relief ou en creux, brusque et résolu. Il s'interrompt abruptement, il s'allonge en oblique.
Tantôt comme l'eau, il dévale vers les profondeurs, tantôt il jaillit comme la flamme et tout cela avec naturel et sans forcer le moins du monde.

C'est pourquoi il a été écrit:
    Ma voie est celle de l'unité qui embrasse l'universel. "
      
                    Shitao, peintre- philosophe.  Chine, vers 1710.
                       (propos sur la Peinture du moine Citrouille-amère.)


Il m'est apparu nécessaire (et proche de ma démarche plastique) de copier, méditer et de publier ces textes précieux car mon travail se retrouve constamment proche de cet état d'esprit.
 Qu'il s'agisse de dessins anciens au pinceau et à l'encre de Chine, de dessins à la plume ou bien encore de toutes ces toiles et panneaux a tempéra où se multiplient à l'infini les coups de pinceau, y compris dans les toiles de 5 m ou l'unique trait de pinceau est créateur d'un espace et d'un temps qui se projette dans le cosmos.

   R.Dumoux
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"L'unique trait de pinceau"

 Il s'agit d'un traité chinois de peinture écrit vers 1710 par SHITAO qui est un peintre philosophe.
Ce traité (Propos sur la peinture du moine Citrouille Amère) se rapporte à l'esthétique chinoise mais aussi à la métaphysique.

Il donne des notions de base de la maîtrise du pinceau, de l'encre et aussi des indications sur l'esprit du peintre, sur sa pensée.
L'unique trait de pinceau est une notion centrale qui réunit les aspects essentiels de la démarche créatrice.

Shitao met en avant la force du geste, son unité et il oriente notre esprit vers le secret d'une réconciliation avec l'univers.

        
    La naissance du Trait.
Le trait a une vie propre une personnalité. Les différents temps de sa dynamique correspondent aux 4 saisons, à la métaphore des 4 saisons... naissance, développement, plénitude et déclin, mort.

Chaque trait a un style ou caractère particulier: le fouet, l'effleurement, le piqué, l'arrachement.
Chaque trait a une histoire: avant de naître, la trace existe déjà dans l'invisibilité.
C'est l'histoire d'une rencontre avec la papier, le pinceau et l'encre, mais aussi la rencontre longtemps préparée et façonnée dans le coeur et dans l'âme.
Chaque trait est changeant, car il suit et accompagne ce qui vit. Il suggère plus qu'il n'affirme.

            L'enseignement se fait moins par les théories ou les livres que par l'expérience et la transmission par l'esprit.
 Il s'agit de transmettre une sagesse, un héritage d'histoires et de paraboles.

   Le maître est discret, attentif, patient. Il voit l'enthousiasme du disciple, sa lassitude. Il sait encourager et ne recherche que le meilleur.
Un coeur habité de calme et de force, un esprit constamment en recherche, un souffle de vie permanent, contrairement aux ruines et épaves.


Les illustrations de cet article sont extraites  de certaines oeuvres plus anciennes, exécutées au pinceau et à l'encre de chine ou bien à la plume.
 Cette pensée et cette philosophie sera poursuivie jusqu'à  maintenant, mais sous une autre forme, celle de la touche colorée et de la transparence.

   L'article prochain sera consacré à certains textes fondateurs de "l'Unique trait de Pinceau."

   R.Dumoux

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