En 2007,  eut lieu au Louvre une exposition consacrée à William Hogarth et cela permit  de considérer les leçons magistrales de ce maître anglais du 18 éme siècle.
Hogarth (1697-1764) fut un acteur important au temps des Lumières, en liaison avec l'Europe.

Sa préoccupation fut de rendre l'art accessible à tous par les images et par un traité d'analyse de la Beauté.
Hogarth explique que le beau n'est pas difficile à comprendre et que l'art n'est pas réservé à une élite. Il explique ce qui est beau, les courbes de la nature et conseille de les dessiner.

D'autre part  un aspect essentiel de l'oeuvre de Hogarth est le goût pour les sujets à connotation sociale ou morale. Ainsi il s'affirme comme peintre et comme satiriste dans la gravure et dans la caricature journalistique qui devient alors un véritable genre anglais.

Pour rendre l'art accessible à tous Hogarth s'est beaucoup servi de la gravure.
Débutant comme illustrateur de textes littéraires, il se rend compte de sa force de diffusion, de son impact.

Tout ce la correspond au développement de l'opinion pubique en Angleterre : on lit la presse,on se fait des idées sur le goût et sur l'art.
Profitant de ce contexte positif Hogarth fait imprimer ses gravures et selon les papiers il propose des prix très divers.

Hogarth sera un des premiers à organiser des expositions d'art anglais et il fait tout pour rendre l'art visible.

C'est pour cela aussi qu'il utilise les possibilités narratives de l'art et qu'il fait en sorte que toutes ses oeuvres sont des histoires accessibles à tous.

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               L'art accessible à tous c'est aussi la manifestation de la volonté de générosité de Hogarth. Il est l'héritier d'une tradition remontant à l'antiquité qui fait que l'art est utile et moral.

Les images sont accessibles mais aussi le discours sur l'art est ouvert à chacun. Art et discours sur l'art ne sont pas réservés à une élite : le beau peut s'expliquer et tout le monde peut le comprendre. Hogarth démontre tout cela dans son traité " l'Analyse de la Beauté"

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Oeuvres et caractéristiques du travail de Hogarth.

             Son art se caractérise par la profusion des motifs narratifs et par le principe de la série. Ainsi il invite le spectateur à passer d'une image à une autre de façon à ce que l'on suive un parcours édifiant. Il s'agit donc d'une profusion de choses et de scènes..
Pour choisir ses sujets Hogarth fait souvent référence à la littérature : dans son milieu le théâtre est très présent et il va s'inspirer des scènes qu'il a sous les yeux.
Le Théâtre mais aussi les Romans lui permettent de construire des histoires avec des épisodes où se déroulent un parcours, avec des étapes. Mais il s'inspire aussi beaucoup de la ville et des scènes qu'il peut observer.

             Pour créer ses séries Hogarth les peint pour ensuite les graver.
Mais certaines oeuvres n'existent qu'en gravure telles les séries : "les 4 étapes de la Cruauté" ou la série "Zèle et Paresse".


En général les grandes séries narratives sont peintes.
Par exemple, l'illustre  "Carrière d'une prostituée" dont il ne reste que les gravures.
Mais pour le "Mariage à la mode" on peut présenter conjointement peintures et gravures.


            A remarquer enfin dans les oeuvres très caractéristiques de Hogarth, les portraits de groupes : les "Conversation pieces"
Ces pièces montrent des personnes dans un environnement social, qui parlent et  débattent : ils sont pris dans instantané, sans être solennels.

Telles sont les caractères majeurs des oeuvres de Hogarth (1697- 1764):  la recherche de séries, les sujets puisés dans le théâtre et aussi dans la vie courante, le goût du narratif et de la lisibilité accessible à tous.



R.Dumoux
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N.B.
                       Actuellement, depuis l'an 2000 a été créé le groupe ULTRALAB .
Il s'agit d'un groupe d'artistes qui produit des installations avec des pièges, des manipulations en utilisant un langage Hybride.

                                 Ultralab souhaite être le PLUS OBSCUR POSSIBLE.
La nébulosité est un principe fondateur.
Cela  a commencé en 1999 avec des cartons d'invitation qui ne débouchent sur aucune exposition. On présente ailleurs de vrais faux dossiers de presse, des démentis, des errata et les auteurs sont masqués et aussi changent de nom.

                                 Ce groupe Ultralab  est créé en 2000.
Le but est de faire des échanges d'incompréhension dans une approche de formes artistiques polluées.
Les membres d'Ultralab sont des adeptes du clonage, du détournement et de la simulation.
Ils sont fourbes, tricheurs, félons, voyous, machiavéliques, truqueurs , imposteurs,
mensongers, de véritables fléaux pour l'homme.
Ils proposent au spectateur qui s'arrête un chaos sans début ni fin, avec des formes hétéroclites, anodines jusqu'à l'imperceptible

A méditer également.

R.D.

        La couleur dans l'art chinois.

(Cet article se rapporte à une suite de  publications précédentes au sujet de la couleur dans l'art.)

          Telle  bannière chinoise de soie peinte est significative de la signification de la couleur dans l'art chinois. Les couleurs en présence sont :
- la 1ère couleur est le noir ( le yin). C'est le noir de calcination de la résine du pin qui est lié à de la colle.
- les autres couleurs sont le rouge vermillon, le bleu indigo, l'ocre rouge, le jaune gomme-gutte, le blanc d'huître et de la poudre d'argent. 

Ces couleurs exaltent la vitalité, les forces d'un univers fondé sur l'alternance des principes complémentaires :
le sombre ou Yin et l'éclatant ou Yang. L'ombre et la lumière.

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         "Yin  et Yang n'existent que que l'un par l'autre, l'un dans l'autre."

    Le Rouge (le Yang) et le Noir (Yin) exaltent les vitalités.
Des laques découvertes par centaines du temps des Han, des objets du quotidien, liés au banquet, au jeu ou à la toilette opposent et associent le Noir (Yin) et le rouge (Yang)
De même les peintures murales des tombes des Han opposent et réunissent les époux dans des scènes de banquet. La femme est vêtue de noir (le yin, l'ombre) et l'homme de rouge (le yang, la lumière).
En général le noir est réservé à la vie quotidienne et le rouge est attribué aux divinités et êtres extraordinaires  du monde d'en haut.
Rouge et noir profond, assemblés forment une couleur sombre le Xuan.
Cette couleur sombre désigne l'origine du monde : son opposé est la terre de couleur jaune.

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 Dans l'art chinois des correspondances sont établies entre les 4 saisons et la saison du coeur de l'été, entre les points cardinaux et le centre, les couleurs, les odeurs, les saveurs, les astres et les planètes, les parties du corps humain, les qualités et les sentiments.
                                                         
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Un principe cosmique des correspondances est permanent. dans l'art chinois.
C'est pourquoi 5 couleurs servent à peindre:
                        - Hei, le noir convient à l'hiver.
                        - Chi le rouge couleur du cinabre convient à l'été ( la couleur du feu)
                        - Bai, le blanc convient à l'automne.
                        - Huang, le jaune se rapporte à toute saison intermédiaire.
                        - Qing, le bleu vert, c'est le printemps : c'est la couleur de la nature, du ciel azuré, de la mer, et de la montagne au loin. Gamme chromatique large du glauque verdâtre au bleu acier.

 Ces couleurs ont un usage déterminé : le jaune clair est réservé à l'empereur et aussi le bleu ciel, le rouge et le blanc.

Au début du 15 éme les Ming aménagent la Cité Interdite pourpre. Son plan repose sur les 5 éléments :

Bleu vert pour l'est
Blanc pour l'ouest
Terre noire pour le Nord
Terre rouge pour le sud
Terre jaune au centre

De même on se conforme à le théorie des 5 éléments dans les tuiles et éléments décoratifs en terre cuite.

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                     L'art chinois valorise les matériaux et les métaux de base, produits du cosmos, envisagés dans leurs transformations.
- Le plus important est le Cinabre, sulfure de mercure dont la préparation est la quête des alchimistes chinois. Par le feu le cinabre se transforme en mercure et à nouveau en cinabre, du rouge au blanc et inversement.
Le cinabre est utilisé dans les fonds des laques et il évoque la fortune heureuse, la joie et le mariage.

- On travaille les métaux, le bronze et l'or qui est symbole de perfection : le corps du bouddha est en or ou recouvert de feuilles d'or, au delà de toutes les couleurs..
L'or assure la longue vie : la vaisselle de l'empereur est en or.

- Les bronzes séduisent surtout par les variations possibles des couleurs. on est séduit par les patines dues aux réactions du métal aux sels minéraux du sol : cette patine peut être rouge, verte ou bleue.

- Enfin le Jade a une grande importance pour l'art chinois. C'est une pierre noble, magique et religieuse. C'est la pierre de l'immortalité et elle attire par ses formes, par sa sonorité, par la sensualité de sa texture et de ses couleurs. Sa coloration varie selon les éléments du sol qui l'entoure et elle peut être modifiée par l'eau.
(L'âge d'or du Jade est sous les Qing et on met en valeur les marbrures, on accentue les couleurs, on les traite en chauffant ou bien on leur incruste des paillettes de cuivre.)



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L'art chinois de la couleur va essayer de reproduire les teintes variables du jade.
La peinture classique va suivre ce chemin et évoquer le Yin et le Yang avec l'art du cinabre et du bleu-vert tels qu'on peut le rencontrer dans certain paysages.
La perspective est exprimée par des dégradés du vert au bleu..
On oppose des paysages très colorés à des paysages aux couleurs douces ou monochromes à l'encre. Il faut dire que les peintres chinois ont exploré toutes les vertus colorées de l'encre et toutes ses nuances de matière. Ils pratiquent la technique du dégradé opposée à la manière de l'encre qui coule en masse colorée profonde.
 Encrage violent ou lavis légers, c'est une grande tradition lettrée de la peinture, à méditer.

Ces diverses considérations sur la couleur dans l'art chinois et sa pratique sont très parlantes et incitent le peintre à la méditation sur la matière et le corps de la couleur liée au cosmos et aux significations symboliques.

R.Dumoux
www.viapictura.com

Du dessin au tableau.

On peut penser, imaginer une installation monumentale de mes dessins....
Ils sont souvent sans lien apparent, et montrent des sujets très divers.

              Il s'agit de motifs multiples :
- éléments anthropomorphes, zoomorphes.
- fragments corporels.
- évocations florales et végétales.
- oiseaux improbables.
- réseaux de traits, de lignes quadrillées.
- formes apparemment abstraites.
- compositions figuratives historiques.
- citation d'oeuvres célèbres et mutation-transposition.
- références illustratives  à des compilations livresques.

C'est une grande variété qui est à l'écoute du monde  et porte son attention aux choses vécues, vues, lues comme observées, naturelles ou créées par l'homme..

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Cet article est écrit après l'observation, la contemplation d'un tableau du 15éme siècle italien et relatant le songe de Constantin.
Constantin est sous sa tente, semble rêver, dormir. Derrière sa tente s'échappe un cavalier casqué dont le cheval tonitruant s'engouffre sur le pont Milvius.
A l'opposé, sur ce pont, un cavalier semble être Maxence qui va chuter.
Cependant dans les airs un ange parait annoncer une grande nouvelle, le songe de Constantin inspiré par la présence de la Croix du Christ.
Moment clef de l'histoire.

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               Du dessin de composition qui observe et détermine les éléments divers, s'effectue un passage vers la peinture vers le tableau et les dimensions murales.

L'ensemble de mon travail présenté sur le site viapictura.com est pictural et rétinien: peintures sur panneaux a tempéra, toiles de 2 m jusqu'au format panoramique. Il s'agit le plus souvent d'oeuvres figuratives, narratives, historiques ou symboliques et allégoriques.
La représentation des scènes est conforme aux canons usuels de la lecture des images depuis l'époque romane par exemple où les sujets sont accessibles à la lecture de chacun, quel que soit son niveau de culture.
Il est toujours question de la mise en évidence d'assemblage de figures ayant une portée et un sens défini.
 Tout ce travail représente un refus de l'incompréhensible, habituellement en vigueur.
De telles réalisations paraissent  actuellement méprisées, rejetées, comme étant populistes et basiques, alors qu'elles tendent à la sublimation de la peinture.

Enfin l'ambition finale de ce projet pictural de longue échéance est de prospecter une histoire générale de l'humanité, depuis  la préhistoire jusqu'aux conquêtes scientifiques et  de l'espace, en passant en revue toutes les périodes charnières des siècles passés et leurs repères incontournables.
           
R. Dumoux

www.viapictura.com