VISITE d' ATELIER.

On connaît bien l'atelier étonnant de Francis Bacon (reconstitué à Londres)
Atelier de peintre ou reliefs, vestiges de happening ?

On connaît aussi les tableaux du 15éme qui représentent un peintre dans son atelier. Passionnants car ils nous instruisent sur le métier du peintre ; comment il avait un aide qui broyait les couleurs. On y découvre d'autres tableaux en cours, les pinceaux, les pigments, les panneaux préparés et puis aussi des détails familiers ou des objets de la vie courante.
Enfin, avec les  nouvelles technologies on peut observer d'autres pratiques et l'atelier devient très conceptuel. C'est un bureau d'étude technico-commercial où sont installés sur un plan de travail, un ordinateur, une  imprimante, quelques papiers, etc... Eventuellement une petite maquette figure (peut-être l'oeuvre qui sera réalisée)


Je décris ici mon atelier.
C'est un atelier de peintre. Comme dans celui de Francis Bacon, on voit un certain désordre et des entassements ici où là.
Cependant à l'examiner, on parvient à suivre ou à recomposer le travail qui s'y déroule.
En pénétrant cet atelier on est d'abord impressionné par les accumulations de dossier, de livres, de dessins ou documents photos, de brochures ou articles de journaux. Ce sont par endroits des compilations formant des assemblages curieux.

Et puis on remarque des suites d'aquarelles (sorte de maquettes colorées pour des toiles en cours) toutes de même dimension.
Egalement en registres ce sont alors des petits tableaux tout de grisaille mais on discerne dans chacun d'eux des tracés très pointus, aigus, dessinés au crayon.
Ailleurs d'autres préparations sur panneaux de plus grande dimension, beaucoup plus grands parfois ont le même aspect.


Ah il faut faire attention : au sol des pots, des couleurs (mais aussi sur une  table) comme s'ils avaient... débordé. Ici, toutes les couleurs s'étalent avec des collections de pinceaux, des bouchons de boîte en plastique, des poêles dont certaines pleines de couleur : ce sont des palettes. Et puis aussi des petits papiers ou dessins oubliés.
 Sur des étagères d'autres documents des photos de Jérôme Bosch à Grünwald , du "Jardin des Délices" à la "Crucifixion" ou à la Vénus d'Urbino de Tiziano Veccellio.


De gros rouleaux de toiles paraissent comme les colonnes d'un temple . Certaines toiles roulées semblent peintes, d'autres blanches ou révèlent des tracés.
Certaines se déroulent et appellent le regard vers ces grandes surfaces suspendues  que l'on ne voit pas d'emblée car elles nous enveloppent. Ce sont des grandes toiles de 5 m, du sol au toit de l'atelier qui nous entourent, avec des figures comme nos doubles, nos ombres qui nous accompagnent.


Derrière une  toile tendue, il y a les réserves dans l'obscurité : ce sont de grandes toiles de 5 mètres roulées, recouvertes. Elles sont visibles sur le site viapictura.com

Enfin, le visiteur découvre des stockages de rouleaux de toiles peintes et des panneaux historiés. Ou bien des panneaux entoilés blancs.. servant de socle à des livres ou documents et photos..
Et puis sur un chevalet un grand panneau vertical ...
Des revues sont là au sol avec des couvertures consacrées à Soulages ou à Venise avec François Pinault.

La visite de cet atelier permet de comprendre la nature du travail.
Bien sûr il s'agit là d'un univers figuratif narratif, historique, dont la composition et les éléments sont dessinés précisément et réalisés selon les règles du métier de la peinture. Tout cela reposant sur l'édifice des cultures du monde et de l'humanisme. Une lumière est là, présente dans le reflet des toiles qui irradient de transparence et de lumière intérieure. C'est du moins le sentiment fortement ressenti et exprimé, affirmé.


En fait tout cela représente mon atelier. Mais j'occupe un autre grand atelier plus ouvert sur l'extérieur, surtout en été. Je citerai seulement pour l'hiver mon petit atelier en sous-sol et consacré à l'impression, à la gravure, autour de la presse à taille douce.
Tout cela est une invitation à la rencontre. Fondamentalement  je m'adresse à chacun car ce travail peut parler un langage qui touche. Et en 1er lieu j'invite le lecteur à regarder mes dessins, leur écriture sur le site www.viapictura.com


R.Dumoux
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Elle établit une  relation existentielle entre sa vie et son oeuvre.

        Dans la description de son enfance 2 leitmotivs apparaissent, qui seront les thèmes majeurs et déterminants de son travail.
        - la forêt,
        - le supérieur des oiseaux : Hornebom.

(la lecture de Freud est importante pour Ernst relativement à l'importance qu'il accorde à  ses souvenirs d'enfance.)

        - La forêt est pour lui intimement liée au souvenir du père.

Ernst a observé son père en train de peindre une forêt avec un ermite.
Il apparaît que le désir de peindre du fils vient de son père. Tous les souvenirs de la forêt peinte par son père vont au delà de souvenirs d'enfance et constituent une source féconde dans le travail d'Ernst. Ces souvenirs il les reconstruit dans  sa biographie qui lui permet de se réaliser et cela va consacrer sa célébrité. Et il avouera avoir désiré dès sa jeunesse suivre l'itinéraire d'un artiste célèbre.

Un désir d'enfance parfois à peine perçu se fait jour peu à peu, attend peut être, selon les aléas de la vie, s'impose de plus en plus et parvient enfin à un accomplissement.

        - Le 2éme leitmotiv qui traverse l'oeuvre de Max Ernst est une expérience marquante de son enfance.

Un ami de Max est HORNEBOM, perroquet de toutes les couleurs; il meurt dans la nuit  et en même temps dans la famille naît un enfant, le 6éme de la famille. C'est Apollonia, la petite soeur qui se serait approprié l'avidité de vivre, la sève de l'oiseau bien aimé. Dans l'imagination du jeune Ernst apparaît une représentation irrationnelle où se confondent les oiseaux et les hommes.

        Ainsi l'artiste va créer LOPLOP  l'oiseau mythique qui ne cessera de l'accompagner. Loplop est un messager comme son sur-moi, véritable fantôme privé. Cette figure, son double en quelque sorte  permet à Ernst de s'exprimer à la 3ème personne.

    Description du vécu dans la biographie d'Ernst

        Max écrit à la 3ème personne  et d'ailleurs il va se donner différents noms :
Il, lui, le petit Max, le garnement, le fils, l'ainé, le garçon,  etc .le grand garçon, l'artiste..

        Ernst ne rédige pas nécessairement selon une chronologie précise mais il accumule des récits et des descriptions d'actions, d'événements mêlés à des réflexions ou à des associations relatives à la forêt et à l'oiseau.
    Il a des ouvenirs très différents dans un ordre fortuit et dans l'ensemble, il n'y paraît pas de sens clairement linéaire..
Mais en réalité, se construit peu à peu dans les aléas des descriptions et réflexions, un récit d'une grande cohérence. Il se construit comme une nouvelle entité où l'artiste et l'oeuvre ne font qu'un.

Ces aléas diversifiés qui construisent quelque chose de précis et sensé rappellent la technique du collage. Cela évoque aussi la rencontre fortuite d'un parapluie et d'une machine à coudre sur une table de dissection.

        L'artiste devient un instrument d'exécution : il se fait observateur de lui-même et se trouve déchargé de la responsabilité de sa création.
               

    A propos du Génie artistique

        Ernst n'a plus tout à fait la responsabilité de sa création.
Il se détourne ainsi de la conception de l'artiste comme créateur ex-nihilo et de l'artiste doué pour les arts. Conception romantique qui a profondément marqué le 19ème siécle.
        Ernst réfute cette idée selon laquelle il faut des capacités particulières pour créer une oeuvre d'art.
 Il refuse la notion de génie divin.

Depuis les siècles passés l'art avait un caractère sacré religieux. L'artiste créateur était le héros d'une religion de l'art. (En Allemagne le mythe de l'artiste se développe à partir de Dürer auquel on voue un vrai culte de Génie.)
Et toujours à la fin du 19ème, les artistes sont l'objet d'un culte et on leur attribue des pouvoirs magiques et sacrés.
        Ernst ne veut pas de l'idée d'une mission que l'artiste doit remplir, mission qui le distingue de l'homme commun et fait de lui comme un prêtre.


        Ainsi pour prouver cet anti-génie Ernst explique sa façon de créer :

Il donne  le détail de ses premiers collages et démontre leur processus hasardeux.
Il avait commencé à Cologne en collectant des images dans un catalogue de produits destinés à l'enseignement (et il s'en est suivi des hallucinations d'objets, de compositions qu'il subit..)
Ce travail du hasard va ensuite déboucher sur l'invention du frottage.
Le frottage sur le plancher, Ernst le rattache à son enfance : il considère que les associations liées à l'enfance sont déterminantes pour la constitution du moi.
Pour le dripping qu'il va utiliser ensuite Ernst dit simplement que c'est un jeu d'enfant.  (prendre une boîte percée , mettre de la couleur et la balancer au dessus du tableau...)

        Dans chaque cas, c'est un hasard calculé, avec le refus de la fable de la créativité de l'artiste.

       
        Cependant, l'utilisation de la 3 éme personne, le fantôme de Loplop qui parle en son nom, la forêt, la réflexion sur toute sa vie, sur son processus de création, tout cela constitue l'autobiographie de Max Ernst et aussi refonde un nouveau mythe d'artiste. Par l'utilisation de la 3ème personne, c'est la stratégie de retrait permanent qui nourrit un mythe nouveau, une vision moderne et idéale de l'artiste.

        Malgré le refus d'Ernst d'une idéalisation de l'artiste, il y a tout de même la création d'un idéal particulier qui n'appartient qu'à Ernst.
En cela Ernst est proche de Goethe pour qui le récit autobiographique essaie de reconstruire la vie intérieure d'après un modéle idéal du moi.

R. Dumoux
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     Extrait d'un commentaire sur l'article " l'art et l'argent" du blog viapictura.:

"je faisais des recherches sommaires sur les descriptions d'oeuvres perdues d'Apelle, et je suis tombée sur votre blog. Peut-être n'attendiez vous pas de réponses à cet article, mais j'ai bien envie de réagir. Je pense comme vous que, en effet, les différentes crises, qu'elles fussent culturelles, politiques ou sociales, ont fait des ravages dans l'histoire de l'art. Comme vous le soulignez très justement, "Où sont les toiles de Zeuxis, d'Apelle de Pharasios?" Je vis à Bordeaux, et lorsque cette ville a reçu des fonds importants pour être restaurée, beaucoup ont polémiqué en critiquant que l'argent partait dans des choses inutiles et qu'il valait mieux le consacrer à des logements sociaux par exemple. Mais il me semble que la défense du patrimoine culturel est quelque chose de vital. Nous n'avons pas à laisser péricliter une oeuvre avec pour argument que c'est une dépense inutile. l'art fait partie de notre histoire autant que les textes littéraires, que les discours politiques. Autant que l'Histoire. Détruire une oeuvre n'arrangera pas les problèmes, mais les protéger peut nous permettre de nous souvenir de notre passé, de ces différents courants de pensées qui se sont entrecroisé au cour des siècles. L'art est un témoignage historique très important et dans quelques années, je suis sûre qu'un Historien de l'art, sociologue de l'art ou autre analysera les cours du marché de l'art bien plus objectivement que nous aujourd'hui et expliquera (peut-être) ce phénomène."

                     
                          En réponse à ce commentaire :
                                              
                          Après relecture de mon article du blog viapictura, à propos de l'art et l'argent, je suis étonné de constater une incompréhension de mon texte.
                         Cette allusion à "mon adhésion implicite  à la destruction ou à la non protection du patrimoine" n' a pas de sens pour moi  et ne ressemble en rien à mon travail  (bien sûr, passé sous silence ici)
Cela en fait constitue pour moi une méprise. D'autant que je suis un conservateur et un collectionneur, un compilateur impénitent.
Tout mon travail est axé sur cette recherche de la transmission, de la protection d'une connaissance et de la valorisation d'un patrimoine.
Il suffit pour cela d'ouvrir une page du site viapictura .

                          Inutile de polémiquer. Les oeuvres existent .

                          Certaines sont très protégées d'autres ne le sont pas, qu'il s'agissent de chefs d'oeuvre ou de production "moyennes". (Je n'ai pas exprimé d'opinion sur des oeuvres mal considérées parfois.)

                         Le sens de cet article était de montrer que l'oeuvre d'art quel que soit son âge, son volume ou sa qualité, est menacée de par la nature des choses.
C'est une simple constatation contre laquelle nous luttons  dans la mesure de nos moyens.

                         D'autres exemples peuvent animer cette réflexion:

                        - Les Bouddhas de Bamyan ont résisté à une nouvelle explosion.
Il y a déjà 7 ans les talibans ont détruit en partie ces colossales et merveilleuses statues de bouddha. Une perte immense pour le patrimoine de l'humanité et que l'on essaie de consolider en rassemblent les débris des statues ( pour essayer de les reconstituer) et en protégeant les admirables et immenses fresques qui ornent les niches abritant les bouddhas.
Nouvel incident sans gravité cependant : à l'occasion d'une opération de neutralisation d'obus, les troupes de l'OTAN ont fait exploser 2 obus près de la plus petite des statues. Heureusement on a assuré qu'aucun dégât n'a été causé à ces chefs d'oeuvre.
Cet exemple prouve la "fragilité" des monuments les plus imposants et nous demande de rester vigilants.

                       - Autre exemple pris dans l'art actuel et relatif au sculpteur Richard Serra.
Le musée Reina Sofia de Madrid a tout simplement perdu une oeuvre de Serra : il s'agit d'une oeuvre énorme de plusieurs tonnes, acquise à grand prix .
L'oeuvre est portée disparue!
Autre oeuvre de Serra touchée: "Title Arc"  à New York, pièce de 4m x 36 de long, est déplacée et découpée en morceaux et disparaît définitivement.

                      - Récemment, des voleurs de métaux ont opéré dans le midi pour démolir et faire disparaître des statues imposantes de Kiefer.

Tout cela est l'indice de la fragilité de notre condition et de nos constructions .
Telle est la signification de  l'article "art et politique" commenté par ce lecteur.
(Autre exemple de fragilié:  dans mon travail, les  35 toiles de 5 mètres x 3 mètres du Pictorama  sont  menacées de destruction par les poussières, les entassements , les rats et autres avaries, si rien ni personne ne s'en préoccupe.!)

Avec cette idée de la fatalité qui cause la disparition de certaines oeuvres d'art, nous sommes très loin, à l'opposé, des affirmations erronées de ce lecteur.

R.Dumoux

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                            LES MOTS (art. 2)

     Lettres et mots, depuis les hiéroglyphes et écritures cunéiformes, semblent caractériser  toutes les mouvements artistiques et de création dans les arts plastiques.

Cet article tente de faire un inventaire de l'art des lettres  et des mots dans l'art moderne et actuel.


                           Le rapport des mots et des images.

            - CAVE CANEM est un exemple illustre de liaison entre le mot et l'image.
 Vers l'an 800 dans le livre de Kells l'écriture apparaît sous une forme plastique.
 Plus près de nous le tableau de Magitte "Ceci n'est pas une pipe" semble ironiser sur le commentaire verbal ou le titre d'un tableau.

            - Les mots peints dans les tableaux impressionnistes. Ce sont les affiches à  Trouville dans une toile de Dufy comme aussi les affiches de spectacle dans l'oeuvre de Toulouse-Lautrec.

             - Les mots symbolistes sont très expressifs. Ils se réfèrent aux manuscrits du moyen âge qui inspirent le renouveau du livre.
On pense en particulier à William Morris comme aux illustrations de Burne Jones.
Les bois gravés de Gauguin mettent en oeuvre mots et lettres selon des formes vivantes et expressives. On remarquera aussi des mots expressionnistes dans les oeuvres de Kirchner.

                - Les mots cubistes. Le cubisme utilise de multiples coupures de journaux ou bien des mots isolés. On peut lire dans les toiles de Braque , BAL ou BACH, des marques de Boisson, SUZE, ainsi que dans les oeuvres de Picasso.

                 - Les mots futuristes.
De Carlo Carra il faut citer le"Manifeste interventionniste". C'est une débauche d'éléments visuels comme un manifeste de rue.
Boccioni et Sévérini ont utilisé  mots et manifestes.
Les toiles de Delaunay mettent en scène la publicité dans la vie moderne.
Malevitch a créé une véritable colonne d'affichage alors que Apollinaire réalise ses Calligrammes.

                   - Les mots DADA.
Pour la revue 391 en 1920, Tristan Tzara créé des textes dénués de sens.
Les écritures  entrent aussi fréquemment en jeu dans les compositions de Picabia.
Duchamp a créé un nouveau genre de livre : les pages sont de différentes dimensions et peuvent être lues dans n'importe quel ordre.
Les fragments d'affiches de Raoul Haussman utilisent mots et lettres.
MERZ de Schwitters est symptomatique de la création verbale dada.

                   - Les constructivistes, Rodtchenko, El Lissitsky, Heartfield, se sont abondamment servi des mots dans leurs compositions peintes ou graphiques.

                    - Pour la période de l'après-guerre Isidore Isou est le fondateur du lettrisme.
Alechinsky use de la calligraphie, et Twombly associe graffiti et calligraphie.
Les affichistes Raymond Hains et Rotella accordent beaucoup d'intérêt aux mots et phrases significatives. Les affiches de Hains sont parfois un témoignage de l'histoire.

                    - Le Pop art également use des mots et des lettres en particulier de la pub.
Parmi les plus illustres citons : Jasper Johns, Stuart Davis, Lichtenstein, Ed Rusha ou Warhol avec COCA COLA par exemple.

                     - Plus tard, il y eut les mots des conceptuels.
De Laurence Weiner, les phrases imprimées en gros caractères sur les murs des musées sont célèbres. A titre d'exemple: "La terre retourne à la terre, les cendres aux cendres, la poussière à la poussière."
Pour On Kawara, la date peinte (sur  une petite toile)  de la réalisation de la  peinture est le sujet. Ex :  "May. 1990 -1991."
Parmi les conceptuels il faut encore mentionner : Art Language, Alighiero et Boetti qui font tisser les mots "ordre et désordre" par des tisserands afgans.
Pour Hamilton Finlay, la poésie délaisse la page du livre et devient un objet comme une sculpture ou une stèle.
Pour Merz et Nanucci ou Bruce Nauman l'alphabet ou les chiffres sont réalisés à l'aide de néons.

                      - L'art actuel est aussi fécond en trouvailles.
Barbara Kruger met en scène des slogans de lettres imposantes à la manière des publicités. "J'ACHETE DONC JE SUIS"  en est un exemple.
Ou encore Jenny Holzer concurence les messages urbains dans ses défilés lumineux.

                    Ce parcours est un aperçu sur l'utilisation des lettres, du langage et des mots au fil des courants artistiques en art. Il y a bien d'autres réalisations à citer et à commenter et en particulier par rapport au lettrisme.
Néanmoins ce regard est stimulant car il permet une vision globale sur l'art de tous les temps et il peut contribuer à libèrer  la créativité et la poésie..

R.Dumoux
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        La pensée extrême-orientale dans l'oeuvre de Tapies.


         L'informe, la matière, le mur, les traces, écritures et objets sont les éléments déterminants de l'oeuvre de Tapies.
        Tapiès a également une conscience aigüe  de l'historicité et s'est intéressé aux nouvelles tendances de l'art.
Son  travail se rapporte souvent aux courants artistiques du 20ème siècle.
Néo-dada, Nouveau- Réalisme, Art Conceptuel, Art Pauvre, Néo-Peinture sont des mouvements majeurs avec lesquels il est en proximité, comme tout artiste sensible à ce qui circule dans l'air du temps.


         La pratique de l'art comme expérience existentielle permet une connaissance absolue de la réalité profonde. C'est l'expression des pensées et des sentiments qui prennent forme dans l'oeuvre.
  Tapiès a été conforté dans son attitude créatrice par la pensée asiatique et par le zen. Il a été question de cela relativement aux murs, à la révélation du mur et de la mutité.
   "Au pied du mur", "cet homme là, c'est un mur", quelques expressions parmi d'autres qui évoquent cet obstacle auquel on se heurte comme au néant, avec un sentiment d'impuissance  et de désarroi face à l'existence. Cette mutité est aussi une plénitude qui, peu à peu, veut tout dire, comme la plénitude du tout. Nous frappons un mur dans un extrême désespoir et finalement voici que le mur s'ouvre.
Cette expérience Zen se retrouve dans le non savoir des mystiques de tous les temps.


   Dans son travail,Tapiès a beaucoup utilisé les objets de toute nature. C'est par là aussi qu'il s'est  ressourcé dans la proximité de la philosophie extrême orientale.

Les objets ne sont là que pour l'humilité de leur histoire. Sortis de la vie ils sont atteints de néant, de vacuité. Ils ont une apparence mais ce n'est pas que l'apparence, selon l'idée bouddhique.
Tapiès décrit ce que l'on peut voir dans l'objet le plus  simple comme une vieille chaise qui peut être chargée de sens et d'émotion.
Pour cette raison il a installé une chaise au dessus de sa fondation: cette chaise sort d'un nuage de fils métalliques, comme naissant d'orbites et trajectoires. Siège offert? C'est le siège d'un dieu?

Au début l'art bouddhique ne représentait pas le Bouddha: on ne présentait que les marques des pieds, les sandales, un lit, un siège.
" le Bouddha peut être une chaussette sale."
Aussi à Montjuic, à côté de fresques romane, Tapies a érigé une chaussette géante accompagnée d'une croix et d'un miroir. Cela montre que l'on peut parvenir à la transcendance par quelque chose de simple.

Les références bouddhiques abondent dans le travail de Tapiès.
Certains titres sont directement bouddhiques: DUKKHA,  THATAGATA,  Dada,
L'oeuvre "Ni identitat" réunit 3 sources: Scientifiques, Bouddhique, Chrétienne.

Tapiès, depuis ses murs et son inspiration du Brahmane fondateur du Zen,  s'est toujours intéressé profondément au bouddhisme, à sa philosophie, bien qu'il n'ait pas  pas adhéré à la religion.
Cela donne à son attitude artistique ainsi qu'aux oeuvres  un rayonnement, important au delà d'aspects extérieurs parfois difficiles.

Ces diverses réflexions sont inspirées d'un ouvrage de Youssef Ishagpour.

R.Dumoux

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