"Ce que pourrait être la peinture de l'avenir."

Quel sera le but de la peinture de l'avenir?
Comme pour la poésie, la musique et la philosophie : il s'agit de donner des sensations qu'on ne connaissait pas avant.
Et dépouiller l'art de tout ce qu'il contient de routine.
Supprimer l'homme comme point de repère, moyen d'exprimer un symbole, une pensée, une sensation.
Se libèrer enfin de ce qui a entravé la sculpture : l'anthropomorphisme. Et voir l'homme en tant que chose.
C'est la méthode de Nietszche.
Une oeuvre d'art vraiment immortelle ne peut naître que par la révélation.

C'est peut être Schopenhauer qui a le mieux exprimé le moment particulier de la révélation en disant :
"Pour avoir des idées originales, extraordinaires, peut-être même immortelles, il suffit de s'isoler si absolument du monde et des choses pendant quelques instants, que les objets et les événements les plus ordinaires nous apparaissent comme complètement nouveaux et inconnus, ce qui révèle leur véritable essence."

Maintenant au lieu de la naissance d'idées originales extraordinaires, immortelles, figurez vous la naissance de la pensée d'une oeuvre d'art, peinture ou sculpture, et vous aurez là, le principe de la révélation en peinture.

Une révélation peut naître tout à coup, et aussi provoquée par la vue de quelque chose, édifice, rue, jardin. Elle appartient à un genre de sensations étranges que je n'ai observé que dans un seul homme : Nietszche.
Lorsque Nietszche parle de son Zarathoustra, il dit : j'ai été surpris par Zarathoustra et là, se trouve toute l'énigme de la révélation qui vient soudainement.
Lorsque la révélation résulte de la disposition de choses, l'oeuvre qui se présente est liée avec ce qui a provoqué sa naissance. Elle lui ressemble mais d'une façon étrange.
C'est comme la ressemblance entre deux frères et comme l'image que nous voyons en rêve d'une personne  et cette personne dans la réalité : c'est, et en même temps, ce n'est pas la même personne : il y a une légère et mystérieuse transfiguration dans les traits.

Je crois que, comme la vue en rêve d'une personne est une preuve de sa réalité métaphysique, la révélation est la preuve de la réalité métaphysique des hasards qui nous arrivent."

Les mêmes sensations pour le peintre se font sentir lorsqu'il réalise des portraits. Le portrait qu'il peint s'approche du modèle, de ses façons d'être diverses et mystérieuses, mais aussi il semble en être à mille lieux. D'autres versions du portrait de la même personne vont créer cette sensation d'étrangeté et d'aller-retour entre le ressemblant et l'absence et par là créer cette révélation de la personnalité du modèle, la recréation de sa réalité métaphysique.

R.Dumoux
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Grands peintres.
De Chirico

Sur mon blog seront publiés quelques articles en hommage à de Chirico.
Ceci en raison de l'importance de ce maître, toutes périodes confondues.
A cause aussi de la recherche, propre à de Chirico, du métier des anciens maîtres ; recherche également déterminante pour mon travail.

Cet article ne fera que citer un texte important de Chirico qui est pour moi la définition, la description exacte de ce que j'ai vécu en peinture depuis 1970.

Une somme d'expériences et de réalisations que je poursuis actuellement chaque jour.
Il m'est possible de reprendre à mon compte tous les éléments de ce texte.
Cette longue patience autour du métier de la peinture suppose une expérimentation de toutes les composantes de la pratique picturale autant que l'observation et l'étude des maîtres anciens... pour parvenir à une conception très personnelle  et en harmonie avec le moi profond.

De Chirico écrit :

"J'ai passé des journées entières auprès des maîtres des 14 et 15 éme siécles, les étudiant et les copiant. Je me suis enfoncé dans la lecture des anciens traités de peinture et j'ai vu que des choses terribles se passent aujourd'hui en peinture et que si les peintres continuent sur cette voie, nous allons vers la fin.
J'ai découvert (je suis le seul à le dire) que la maladie chronique et mortelle de la peinture aujourd'hui, c'est l'huile, l'huile que l'on croit la base de toute bonne peinture.
Antonello de Messine qui, d'après l'histoire, aurait apporté en Italie, depuis les Flandres, le secret de la peinture à l'huile, n'a jamais fait cela. C'est un malentendu qui se base sur le fait que les Flamands et surtout les Van Eyck, usaient, pour passer des glacis sur leur tempéra, d'émulsions ou d'huile de lin ou de noix.
Mais la base de leur peinture était la tempéra ou la détrempe à laquelle ils mêlaient parfois des huiles et surtout  quelques résines ou d'autres substances comme le miel, la caséine..
Ainsi ont peint sans aucun doute Dürer, Holbein, Raphaël, Perugino. Je crois que même Rubens ou Titien n'ont jamais peint à l'huile comme on l'entend aujourd'hui.

Ayant compris tout cela, je me mis avec la patience d'un alchimiste à filtrer mes vernis, à broyer mes couleurs, à préparer mes toiles et mes planches. Et je vis la différence qui en résultait : le mystère de la couleur, la lumière, l'éclat, toute la magie de la peinture qui est l'art le plus compliqué et le plus magique qui soit, avec toutes ces vertus éclairées d'une grande lumière.

Et alors je pensais avec mélancolie aux impressionnistes et à tous les peintres qui ont cru pouvoir résoudre avec leur technique le problème de la lumière, tandis que sur leur palette ils portaient la source même des ténèbres."



R. Dumoux
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Cet article est un complément, un additif à un texte déjà publié à propos du Monochrome.
Cela sera aussi l'occasion de présenter certains de mes  panneaux a tempéra.


          Le terme de grisaille n'apparaît qu'au 17ème siècle dans une lettre de Peiresc à Rubens. Mais la technique est utilisée depuis longtemps et en particulier depuis le 15 éme siècle.
                    
                  - Sur les volets de triptyques, des figures de saints sont peintes en grisaille et sont parfois des chefs d'oeuvre de perfection de lumière et de dessin, comme les grisailles de Grünewald, du maître de Moulins ou de Hugo van der Goes.
Ces grisailles sont aussi comme des imitations de sculptures avec leur couleur de pierre ou de bronze : elles sont des trompes-l'oeil dans la lignée de Zeuxis.

                   - Outre la réalisation de triptyques et retables le procédé de la grisaille sert parfois d'esquisse préparatoire. Cela apparaît avec Rubens.
Il s'agit là d'une 1ère pensée, d'un jet spontané..
Particulièrement aux 17 et 18ème siècles, les grisailles sont des esquisses à l'huile, préparatoires pour de grands tableaux. A la manière des Modelli ou des Bozetti.
(Une différence : les Modelli sont déjà très aboutis alors que les Bozetti restent à l'état d'ébauche comme des croquis enlevés dans le style de Rubens.)

                    - Autre utilisation des Grisailles : elles sont aussi des 1ères pensées pour des gravures.
Dans la 2éme moitié du 17éme on publie des thèses et il faut des frontispices : il s'agit d'une dédicace sous forme d'allégorie (de l'auteur à son protecteur).
Le projet pour créer une  gravure de frontispice est réalisé en grisaille par un peintre.
C'est pourquoi les grisailles préparatoires aux gravures sont toujours plus travaillées et méticuleuses. et ont un aspect de gravure.

Dans la vie sociale et culturelle des villes universitaires, les soutenances de thèses occupent une place importante.  Comme une affiche elles présentent une image ornée d'illustrations dont les dimensions varient de 80 cm à 1 mètre.
Par exemple Le Brun, assura sa réputation par le biais des frontispices des thèses.
Ses peintures étant ensuite gravées pour la thèse.

                   - Mais aussi au 17 éme siècle certains artistes  travaillent la grisaille pour elle-même.
Par exemple Adrien van de Venne peint de petits tableaux sur bois illustrant des Proverbes.
C'est surtout à partir du 19ème que les attraits de la grisaille et du camïeu sont très appréciés et utilisés.
Carpeaux, Daumier (Don Quichotte) ou encore Gustave Moreau (Diomède) utiliseront le procédé de la grisaille pour lui-même.


                    - Au 20ème siècle cet attrait pour la grisaille ou le camaïeu se poursuit dans la pratique du monochrome qui a une importance essentielle dans l'art moderne et  contemporain, de Rodtchenko à Yves Klein.

R.Dumoux
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                                             La Renaissance. Arcimboldo.



La description de la toile "Renaissance 2" dans l'article précédent, (oeuvre en cours de réalisation), sa préparation, sa documentation fait souvent référence à des caractéristiques proches de la vision et de l'inspiration d'Arcimboldo.

Il est intéressant d'aborder plus en profondeur ce mythe essentiel de la Renaissance qu'est la figure d'Arcimboldo.
Cet article est consacré à "Arcimboldo et les têtes composées".

(Une exposition a eu lieu à Paris au musée du Luxembourg en 2008 et des articles très  éclairants ont été publiés à ce propos.)

                Pour situer Arcimboldo, les Saisons et les Eléments datent de 1560 et les têtes de 1570 1580.

Les créations les plus célèbres d'Arcimboldo sont ses Têtes composées.
Il s'agit, comme on le montre toujours, d'éléments disparates qui se combinent pour former une Tête. (Fruits et légumes pour constituer l'été par exemple ou oiseaux pour l'air etc...)
Ces compositions ont rendu populaire ce genre dans l'art européen.

               Cependant Arcimboldo n'avait pas été le 1er à créer des images composées et  après lui au 17éme s. il y eut de nombreux imitateurs de ce genre. Jusqu'à notre époque, il y eut une persistance  de cette tendance en art qui consiste à transformer le visage humain, à le découper, à le décomposer. Ainsi a -t-on redécouvert Arcimboldo dans l'art surréaliste et fantastique.


                                            Les sources d'inspirations d'Arcimboldo.

                 - La 1ère source d'inspiration est dans les miniatures persanes. Les peintures Mogholes représentent en effet des animaux, chevaux ou éléphants composés de différentes sortes d'animaux.
Ce fut là un genre florissant dans l'Inde Moghole et même un artiste européen travailla dans une cour indienne.
                - Les miniatures persanes constituent une autre source importante d'inspiration pour Arcimboldo (Rodolphe de Habsbourg était en relation avec la Perse)
               - En général, les représentations composées sont fréquentes dans les traditions orientales et aussi gréco-romaines.
               - On retrouve également cette tendance dans les manuscrits médiévaux, dans les camées, dans les peintures murales pompéiennes.


                Mais Arcimboldo avait-il réellement connaissance de tout cela.?
- De toute façon ce qui est très plausible dans ses sources, ce sont les liens avec avec l'art européen du Nord au 16éme siécle.
On peut parler des dessins de Jérôme Bosch , des gravures de Boyvin et de Tobias Stimmer.
Il s'agit d'oeuvres satiriques, de Grilli (nous reparlerons de ce terme dans un autre article), oeuvres composées mais aussi dessins humoristiques.

- Un rapprochement important avec Arcimboldo peut se faire aussi  dans le domaine de l'alimentation : à cette époque, de nombreuses compositions étaient réalisées à partir de toutes sortes d'aliments et de condiments.
Par exemple Rustici et Andrea del Sarto réalisent des compositions avec toute sortes de denrées alimentaires.

- Il y a  aussi un rapport entre les compositions d'Arcimboldo et les thèmes carnavalesques. Par exemple il va s'inspirer d'une fête à Milan où un char carnavalesque, un cheval de bois déversait des mets. A Milan on utilise aussi une sorte d'imagerie rabelaisienne qui va inspirer Arcimboldo. 

                   En fait, le plus essentiel est que  Arcimboldo est très lié à la tradition Léonardesque.
Vasari raconte comment Léonard peint une tête de Méduse :
"Dans une pièce, il rassemble lézards, tritons, criquets, asticots, serpents, chauves-souris, et autres animaux nétranges. En combinant toute cette multitude, il en tire un petit monstre horrible et épouvantable."

Le rapport entre Arcimboldo et Léonard est clair : c'est un motif récurrent de la Renaissance qui consiste à créer des êtres fantastiques à partir d'éléments présents dans la nature.
Il s'agit là aussi du "locus classicus"de l'Art Poétique d'Horace qui parle de créatures licencieuses : tête humaine sur un corps de cheval, membres couverts de plumes, femme splendide avec queue de poisson;
Cette référence à Horace se rapporte au genre fantastique et au grotesque qui passionne d'Arcimboldo.


                   Par le biais des modèles et de tous les topos littéraires de créatures fantastiques et des grotesques on en vient à considérer les créations composées qui sont dénommées "grilli";
L'article suivant sera consacré aux "grilli" , concept important dans ce monde de fantastique et de grotesque qui constitue la part essentielle de l'oeuvre d'Arcimboldo.

R.Dumoux
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      En 2007,  eut lieu au Louvre une exposition consacrée à William Hogarth et cela permit  de considérer les leçons magistrales de ce maître anglais du 18 éme siècle.
Hogarth (1697-1764) fut un acteur important au temps des Lumières, en liaison avec l'Europe.

Sa préoccupation fut de rendre l'art accessible à tous par les images et par un traité d'analyse de la Beauté.
Hogarth explique que le beau n'est pas difficile à comprendre et que l'art n'est pas réservé à une élite. Il explique ce qui est beau, les courbes de la nature et conseille de les dessiner.

D'autre part  un aspect essentiel de l'oeuvre de Hogarth est le goût pour les sujets à connotation sociale ou morale. Ainsi il s'affirme comme peintre et comme satiriste dans la gravure et dans la caricature journalistique qui devient alors un véritable genre anglais.

Pour rendre l'art accessible à tous Hogarth s'est beaucoup servi de la gravure.
Débutant comme illustrateur de textes littéraires, il se rend compte de sa force de diffusion, de son impact.

Tout ce la correspond au développement de l'opinion pubique en Angleterre : on lit la presse,on se fait des idées sur le goût et sur l'art.
Profitant de ce contexte positif Hogarth fait imprimer ses gravures et selon les papiers il propose des prix très divers.

Hogarth sera un des premiers à organiser des expositions d'art anglais et il fait tout pour rendre l'art visible.

C'est pour cela aussi qu'il utilise les possibilités narratives de l'art et qu'il fait en sorte que toutes ses oeuvres sont des histoires accessibles à tous.

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               L'art accessible à tous c'est aussi la manifestation de la volonté de générosité de Hogarth. Il est l'héritier d'une tradition remontant à l'antiquité qui fait que l'art est utile et moral.

Les images sont accessibles mais aussi le discours sur l'art est ouvert à chacun. Art et discours sur l'art ne sont pas réservés à une élite : le beau peut s'expliquer et tout le monde peut le comprendre. Hogarth démontre tout cela dans son traité " l'Analyse de la Beauté"

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Oeuvres et caractéristiques du travail de Hogarth.

             Son art se caractérise par la profusion des motifs narratifs et par le principe de la série. Ainsi il invite le spectateur à passer d'une image à une autre de façon à ce que l'on suive un parcours édifiant. Il s'agit donc d'une profusion de choses et de scènes..
Pour choisir ses sujets Hogarth fait souvent référence à la littérature : dans son milieu le théâtre est très présent et il va s'inspirer des scènes qu'il a sous les yeux.
Le Théâtre mais aussi les Romans lui permettent de construire des histoires avec des épisodes où se déroulent un parcours, avec des étapes. Mais il s'inspire aussi beaucoup de la ville et des scènes qu'il peut observer.

             Pour créer ses séries Hogarth les peint pour ensuite les graver.
Mais certaines oeuvres n'existent qu'en gravure telles les séries : "les 4 étapes de la Cruauté" ou la série "Zèle et Paresse".


En général les grandes séries narratives sont peintes.
Par exemple, l'illustre  "Carrière d'une prostituée" dont il ne reste que les gravures.
Mais pour le "Mariage à la mode" on peut présenter conjointement peintures et gravures.


            A remarquer enfin dans les oeuvres très caractéristiques de Hogarth, les portraits de groupes : les "Conversation pieces"
Ces pièces montrent des personnes dans un environnement social, qui parlent et  débattent : ils sont pris dans instantané, sans être solennels.

Telles sont les caractères majeurs des oeuvres de Hogarth (1697- 1764):  la recherche de séries, les sujets puisés dans le théâtre et aussi dans la vie courante, le goût du narratif et de la lisibilité accessible à tous.



R.Dumoux
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N.B.
                       Actuellement, depuis l'an 2000 a été créé le groupe ULTRALAB .
Il s'agit d'un groupe d'artistes qui produit des installations avec des pièges, des manipulations en utilisant un langage Hybride.

                                 Ultralab souhaite être le PLUS OBSCUR POSSIBLE.
La nébulosité est un principe fondateur.
Cela  a commencé en 1999 avec des cartons d'invitation qui ne débouchent sur aucune exposition. On présente ailleurs de vrais faux dossiers de presse, des démentis, des errata et les auteurs sont masqués et aussi changent de nom.

                                 Ce groupe Ultralab  est créé en 2000.
Le but est de faire des échanges d'incompréhension dans une approche de formes artistiques polluées.
Les membres d'Ultralab sont des adeptes du clonage, du détournement et de la simulation.
Ils sont fourbes, tricheurs, félons, voyous, machiavéliques, truqueurs , imposteurs,
mensongers, de véritables fléaux pour l'homme.
Ils proposent au spectateur qui s'arrête un chaos sans début ni fin, avec des formes hétéroclites, anodines jusqu'à l'imperceptible

A méditer également.

R.D.